Opérette en deux actes

Musique de Maurice Yvain

Livret d’André MOUËZY-ÉON et Louis POTERAT

Création 1946, à Paris, à La Gaîté-Lyrique

Odéon, Marseille, samedi 27 avril

          Étui à lunettes, stylo et notes perdues à l’Odéon à force d’applaudir, je me sers de mon émission de présentation, de mes souvenirs et des photos pour rendre compte de ce beau spectacle encore signé par Carole Clin.

            Les Roms, les Gitans, ont autant mauvaise presse auprès des bourgeois que ces derniers se pressent dès lors qu’un spectacle affiche une couleur romanichel, gitane. Après les Saintes-Marie-de-la-Mer le jeudi 18 avril, Marseille accueillait le vendredi 19 avril, chez Musicatreize, la Santa Misa Romani, ‘La Messe gitane’

de Yardani Torres Maiani. Et l’Odéon exhumait pour deux jours, cette rare opérette Chanson gitane, comme si ce peuple, ces peuples divers plutôt, étaient réduits au spectacle. Et il est vrai que leur culture s’exprime admirablement par le chant et la danse, la musique en somme. La figure de Carmen, attirante et inquiétante, exprime au mieux cette ambivalence, séduction et méfiance, dans la perception que l’on a en général des gitans, des roms.

Rom, signifie, en langue romani « homme accompli et marié au sein de la communauté. »

Les roms est devenu le terme générique depuis le congrès de de Londres de 1971 pour désigner globalement les Tziganes / Tsiganes, les Bohémiens, Manouches, ou Romanichels (d’Europe centrale, chacun de ces noms a sa propre histoire). On parle aussi de Sintis ; en Espagne, on a le mot dérivé d’Égyptiens, Gitans puisqu’ils prétendaient venir de la race de Pharaon, d’Égypte (l’Esmeralda, ‘Émeraude’, au nom espagnol de Notre-Dame de Paris de Victor Hugo —alors que les Gitans arrivèrent en Espagne de France— est nommée avec justesse l’Égyptienne). Même étymologie en Grande-Bretagne, les Gypsies.

Leur nomadisme s’oppose, tout naturellement, à la sédentarité, à la fixité des villes. Mais, depuis ce fameux congrès de Londres de 1971, avec globalement le nom générique de Roms, sédentaires ou encore nomades, on les a également nommés « gens du voyage ^[2] » et on les a dotés d’un beau drapeau sur fond vert (pour dire la campagne illimitée sans doute) et bleu (le ciel ouvert), avec l’emblème de la roue rouge de la caravane du nomade qui roule sans cesse.

Fixité et nomadisme

Le voyage, l’âme nomade éprise de liberté, opposée à la fixité citadine ou aux racines terriennes, nous avons-là le noyau théâtral, dramatique, d’une opposition de caractères, qui sera tragique dans Carmen, qui chante un hymne à la liberté, à « la vie errante », entraînant dans son sillage amoureux un Don José ligoté par les valeurs paralysantes de l’Armée, de l’Église, et de sa mère.

Même dans le monde guère tragique de l’opérette, ce conflit de tempéraments, de caractères diamétralement opposés, ne peut manquer pour nouer une intrigue d’amour faite de déchirantes contradictions.

Nous sommes en Anjou, en 1826, en pleine Restauration, sous l’ultra réactionnaire Charles X qui, monté sur le trône en 1824, voulant restaurer l’Ancien Régime, devra abdiquer en faveur de son peit-fils e dix ans, duc de Bordeaux, et fuir après la Révolution des Trois glorieuses de 1830 (27, 28 et 29 juillet) un mois après qu’il a fait la conquête d’Alger. Une allusion dans le texte anticipe l’événement colonial, tandis que les justes proclamations de Jasmin, le fils niais du garde-chasse rappellent le passé révolutionnaire les « principes éternels de 89 » dont on n’a pas perdu la mémoire.

Duchesse de Berry

Un vrai personnage historique et de roman, Marie Caroline Ferdinande Louise de Bourbon, princesse des Deux-Siciles(1798-1870), princesse napolitaine élevée librement, pratiquant le chant napolitain en patois, débarquée à Marseille en 1816, deviendra par mariage duchesse du Berry, vite veuve d’un mari assassiné par un révolutionnaire voulant en finir avec les Bourbon pas assez guillotinés, mère du duc de Bordeaux désigné successeur par le roi Charles X à son abdication. Originale, peu conformiste, peu férue d’étiquette de cour, lançant les modes, dont celle des bains de mer, célèbre aussi pour son goût des voyages en mer, elle déjà un bateau à vapeur. Elle fait du Pavillon de Marsan un lieu raffiné de modes et de fêtes. Musicienne, mécène de Rossini et Boieldieu qui lui dédie La Dame blanche. Même exagérée pour les besoins joyeux de l’opérette, sa sympathie pour la Bohémienne n’est pas invraisemblable. À la chute de Charles X, qu’elle suit un temps dans son exil anglais, elle conspire avec des ennemis du duc d’Orléans qui est monté sur le trône sous le nom de Louis-Philippe, prépare une constitution libérale pour la France, intrigue, tente vainement de soulever Marseille (comptant sur un millier d’insurgés elle se retrouve avec soixante) puis la Vendée pour placer son fils sur le trône sous le nom d’Henri V sous sa tutelle de régente. Fuyant, traquée, cachée même dans une cheminée, détenue, emprisonnée quelques mois dans une citadelle, elle sera expulsée de France vers sa Palerme sicilienne, mais désavouée par ses familles française et italienne et même, plus tard, ruinée par son second mari, par son propre fils ingrat qui la contraint à vendre son palais vénitien en échange de son aide. Elle mourra aveugle en Autriche.

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Fixité campagnarde

Après les convulsions de la Révolution et de l’épopée de Napoléon, mort exilé sur son île en 1821, nombre d’aristocrates échappés à la guillotine jugent plus prudent de ne plus trop habiter les villes tumultueuses et dangereuses et, s’ils n’en ont pas, se font construire des gentilhommières dans de sûres campagnes. Au lever de rideau, une romantique toile de fond mollement verdoyante présente en horizon un château haut perché, plus de Bavière que de « la douceur angevine » moins montueuse chantée par du Bellay. Le comte Hubert des Gemmeries mène en son manoir une vie calme, disons une plate existence de hoberau provincial, de gentilhomme campagnard, réticent au mariage malgré les exhortations de sa mère soucieuse de perpétuer la lignée. Guère tenté par l’aventure, pour tout exploit, il ne rêve que de chasser les pauvres lièvres « fourbus » et les braconniers plus nécessiteux que lui de nourriture. En belle compagnie, en bel habit de chasse, sur une marche martiale à grand renfort de cors, il chante vaillamment, plus que le printemps, le plaisir de la chasse, priant, « pardonnez aux chasseurs » (prière que je n’exaucerai pas). Il confie préférer le grand air aux murs clos des salons, avoue qu’il n’est guère « mondain », se présentant comme un « ours mal léché ». Belle prestance, en élégante tunique grise plus de salon que de chasse aux bottes noires près, de son éclatante voix de ténor, Jérémy Duffau se tire au mieux de cet air dynamique de faux héroïsme, entraînant un chœur solide de chasseurs.

Sa mère, digne dame cheveux gris et robe grise, mine rogue, parfaitement campée avec la noble hauteur qu’il faut par une expressive Anny Vogel, tente de disculper son rustaud de fils en retard, qui n’est pas encore venu rendre ses devoirs à une belle et lumineuse invitée, robe rosée à volants, tout sourire et blondeur couronnant une rayonnante voix, l’indulgente duchesse du Berry, la belle Ève Coquart, plus curieuse que furieuse contre cet « ours mal léché », dont, se léchant les babines, elle se verrait bien finir par parachever la figure, puisque la légende dit que seul le tendre et patient léchage de la mère finit par donner figure acceptable à l’ourson informe d’abord.

Et là, horreur ! son garde-chasse Nicolas (Philippe Béranger), bourru personnage de comédie, escorté de son raccord de fils Jasmin (Eloi Horry), vient lui annoncer le drame : des Bohémiens voleurs de poules se sont installés sur sa propriété. Furieux de ces atteintes à son honneur, le grand aristocrate sans autre noble emploi, vole, court faire courir et décamper les intrus.

Le voilà au camp des Bohémiens : un foyer stylisé de trois bouts de bois d’où pend une marmite sur le feu et un aperçu saillant d’entrée arrière de caravane verte, sobre et suffisamment suggestifs décors de Loran Martinel.

L’assaut rageur du noble est stoppé net par la noblesse physique et morale de Mitidika, plus maîtresse de la tribu que Zarifi le maître vexé du camp, la belle et hautaine Zingara, qui se dresse devant lui et brave le bravache : elle descend d’un prince de Bohême et ne s’abaisse pas devant un simple comte. Quand on sait qu’elle est incarnée par Laurence Janot, beauté de figure, dignité d’allure, plus qu’une descendante princière, comme je l’ai déjà dit, c’est une reine que ce nobliau a devant lui, mains sur les hanches, cheveux coulant en ondes sur des épaules parfaites de statue, regard clair, capable de feu et d’ombre, et voix d’ambre. Comment n’en pas tomber amoureux ? Chasseur chassé et pris au piège.

Le jeu de cartes avec l’autre gitane annonçant l’avenir, est un clin d’œil à la Carmen de Bizet, « enfant de Bohême qui n’a jamais connu de loi », refusant les promesses d’un amour inégal, la belle, impossible à apprivoiser, s’envole, laissant elle aussi, telle l’héroïne lyrique, une fleur, relique amoureusement gardée par l’amant. Comme Faust revenant saluer, sinon « la demeure chaste et pure », la caravane, amoureux dépité, le comte Hubert, dévasté, la trouve désertée.

Ce désespoir vaut à Jérémy Duffau l’un des plus beaux airs de l’opérette, « L’Amour qu’un jour tu m’as donné… » qu’il nous offre avec une sensible émotion, aigus éclatants, mais avec des demi-teintes de la tradition du genre qu’on a peu l’habitude d’entendre.

Et voilà l’ours mal léché, même pas Arlequin poli par l’amour, mais mis en mouvement par lui, voilà Hubert, hanté par son souvenir, saisi de nomadisme, qui la cherche désespérément. Il la retrouve à Angers, au cirque Zarifi, dirigé par le chef de la tribu, jalousement amoureux de la belle. Introduisant le drame dans la comédie, dans l’intrigue d’amour, Marc Barrard l’interprète avec toute la puissance qu’on lui connaît et profère un air effrayant et menaçant, devenu célèbre, le tango « Jalousie, tu rampes autour de moi comme un serpent pétri d’effroi… », air tout intérieur qui ronge le personnage jusqu’à ce qu’éclate en force son désir extérieur de vengeance. Belle trouvaille de mise en scène significative, presque à la broyer, il manipule une marionnette à l’image de Mitidika  comme il a dû rêver de manier la gamine, poupée qu’il a vu grandir en femme  qui l’a  en réalité manipulé en pantin, arrachant même au mâle frustré la conduite de la tribu.

Le drame frôle le drolatique au cirque où opère l’ami Antoine Bonelli en Monsieur Loyal. Mais nous avions déjà, bousculant l’économie générale des opérettes où les couples de « seconds » doublent simplement les jeunes premiers, une démultiplication des scènes comiques de dépit amoureux, ainsi, entre la sceptique et solide Jeannettede Flavie Maintier avec le Jasmin (Éloi Horry) hébété à hue et à dia tiré ensuite par l’astucieuse zingara Zita de Julie Morgane égale en rieuse souplesse à elle-même dans des scènes burlesques de charme, de sortilège, puis avec le père veuf Nicolas (Philippe Baranger) redécouvrant les attraits du mariage.

Vrai travail d’artisan des auteurs, tous ces personnages supposés secondaires ont des pas de danse, des airs, des duos et, les quatre réunis, un superbe quatuor, un vrai morceau de bravoure musical et de mise en scène. Sous de simple rideaux rouges nus à l’exception de deux austères portraits à la mode du temps, un complexe et redoutable quatuor où la danse, implacable de rythme, est régie par une impeccable précision du chant sous les dehors comiques, changements de tempo, entre fox-trot lent ou lent charleston, gestes, positions, des corps, des bras, des jambes, une vraie chorégraphie encore réglée minutieusement par Caroline Clin, avec un accelerando burlesque qui se souvient de Rossini. Je ne répéterai pas toutes les qualités que j’ai déjà soulignées chez Caroline Clin, art d’occuper l’espace réduit de cette scène sans l’encombrer avec tant de personnages ou des décors inutiles, une grammaire personnelle de gestes synchrones pratiquement chorégraphiés qui, ici, s’intercalent sans brouiller la belle chorégraphie de Maud Boissière, servie par de vrais danseurs professionnels : danse dans la danse qui n’est pas le moindre charme de cette nouvelle production.

On saluera aussi le charmant, trio aux ombrelles tournantes des deux zingaras entourant le noble triomphant puisqu’il a épousé, en dépit de sa famille, la roturière gitane, dont même la comtesse douairière mère feint de croire en la royale ascendance, tout en rejetant et humiliant sa trop brune bru. Mais les deux mondes, aristos et bohémiens, opposés nous ont offert le plaisir contrasté des costumes différents, libres gilets pour les hommes contre raides redingotes et chapeaux, jupes fleuries sur bottes de cuir des Bohémiennes, foulard sur la tête des femmes, contre coiffures « à la girafe » pour les grandes dames, célébrant en cheveux la célèbre Zarafa, la girafe offerte à Charles X par Méhémet Ali en 1827, la première en France. Sans compter les danses issues de chaque monde, valse, mazurka, contre accents slaves ou pasodoble hispanique pour les gitans, avec le clou de la danse à deux, en plein salon aristo scandalisé, au son de tambourins basques, par Zita et Mitidika, qui nous offrent cette facette de leurs multiples talents.

Péripétie : on accuse la Bohémienne comtesse du vol du collier de diamants de sa belle-mère, en réalité dérobé par Philippe (Jean-Luc Épitalon) l’autre rude fils, le joueur endetté. Drame : comme Manon disant adieu à sa « petite table » en abandonnant Des Grieux, la belle Bohémienne blessée écrit une lettre d’adieu à Hubert, qui nous vaut une émouvante interprétation de Laurence Janot, « Sur la route qui va, qui va et qui n’en finit pas… », qui n’en finit pas de filer le son final avec une finesse digne des plus grandes. C’était une chanson, devenue célèbre aussi, de Viviane Romancedans le film de 1941, Cartacalha dont Maurice Yvain reprend sa musique pour l’opérette postérieure.

Mais, en véritable deus ex machina, l’aventurière et aventureuse duchesse de Berry, amène les amoureux avec elle sur son navire (belle vue d’un port en toile peinte) pour les laisser vivre librement leur amour « sous d’autres cieux » comme proposait vainement Don José à Carmen. En somme, c’est avec la noble onction d’une lumineuse aristocrate que se comble le vœu de la gitane « oiseau de nuit » au « désir vagabond », en recherche permanente d’horizons sur des routes qui n’en finissent pas, entraînant le comte amoureux consentant. Ainsi se résout la contradiction du monde du noble enraciné à sa terre et celui mouvant de la nomade : Carmen et José réussissant leur première et seconde évasion.

Contrastes de cadres, d’atmosphères, de personnages, qui permet au spectacle de diversifier des scènes de danses gitanes opposées à celles du salon aristocrate, théâtre dans le théâtre enchâssé de rideaux comme un autre cirque, même mondain. Et à l’orchestre mené dynamiquement par Didier Benetti, de faire joyeux feu de tout bois musical pour notre plus grand plaisir. Benito Pelegrín

CHANSON GITANE

NOUVELLE PRODUCTION

Direction musicale, Didier BENETTI

Mise en scène, Carole CLIN

Chorégraphie, Maud BOISSIÈRE

Décors , Loran Martinel.

Comtesse des Gemmeries, Anny VOGEL

Mitidika, Laurence JANOT
Duchesse de Berry, Ève COQUART
Zita, Julie MORGANE

Jeannette, Flavie MAINTIER
Une gitane / la spectatrice, Sabrina KILOULI

Hubert des Gemmeries, Jérémy DUFFAU

Jasmin, Eloi HORRY
Zarifi, Marc BARRARD
Nicolas, Philippe BÉRANGER

Philippe, Jean-Luc ÉPITALON
Monsieur Loyal, Antoine BONELLI
Un invité / le spectateur / le jeune homme, Damien RAUCH

Figurant Simon CHARNIER

Orchestre de l‘Odéon

Benoît SALMON, Marie-Laurence ROCCA, Hélène CLÉMENT, Anne FABRE, Isabelle RIEU, Alexia RICHE, Nicolas PATRIS de BREUIL, Tiana RAVONIMIHANTA, Vanessa CROUSIER, Eric CHALAN, Soizic PATRIS de BREUIL, Stephan BRUNO, Auguste VOISIN, Olivier GILLET, Hugo SOGGIA, Luc VALCKENAERE, Alexandre RÉGIS, Caroline DAUZINCOURT

Pianiste répétitrice Caroline DAUZINCOURT

Chœur Phocéen

Caroline BENOIT, Sneji CHOPIAN, Fiorella ALESSANDRA, Sabrina KILOULI, Sylvia OLMETA, Katherymne SERRANO, Pierre-Olivier BERNARD, Sylvio CAST, Angelo CITRINITI, Corentin CUVELIER, Sébastien SPESSA, Damien RAUCH
Chef de chœur Rémi LITOLFF

Ballet

Marion PINCEMAILLE, Guillaume REVAUD, Vincent TAPIA Danseur(se) circassien(ne) : Ambre ROS-LEPARC, Antoine DUPEYROT

PHOTOS CHRISTIAN DRESSE : 

1. Duffau, Janot;

2. Vogel, Coquart, Duffau, Béranger, Horry;

3. Barrard, Janot, Duffau;

4. Morgane, Horry;

5. Horry, Maintier, Béranger;

6. Morgane, Duffau, Janot.

Le Nozze di Figaro

Opéra buffa en 4 actes.

Livret de Lorenzo Da Ponte

d’après la comédie de Beaumarchais

La Folle journée ou Le Mariage de Figaro (1785)

Musique de Wolfgang Amadeus MOZART.

Création à Vienne, Burgtheater, le 1^er mai 1786

 

OPÉRA DE MARSEILLE

28 Avril 2024

Reprise de la production de 2019

 

L’ŒUVRE : Le Roman de la famille Almaviva

Le nozze di Figaro, ‘Les noces de Figaro’ de Mozart, opéra bouffe créé à Vienne en 1786, est avec Don Giovanni (1787) et Cosí fan tutte (1790), l’un des trois chefs-d’œuvre que le compositeur signe avec la collaboration du génial Lorenzo da Ponte pour le livret, poète officiel de la cour de Vienne. Il s’inspire de La Folle Journée, ou le Mariage de Figaro (1785), volet central de la trilogie théâtrale de Beaumarchais, Le Roman de la famille Almaviva, qui comprend Le Barbier de Séville ou la Précaution inutile, 1775, ce Mariage de Figaro donc et  L’Autre Tartuffe ou la Mère coupable, 1792, en pleine Révolution française, située à Paris.

Dans ce Mariage de Figaro, on retrouve les mêmes personnages que dans le Barbier de Séville : pour les secondaires, don Basile, le professeur de musique intrigant et vénal, pour les principaux, le Comte Almaviva, grand seigneur andalou qui, grâce à l’ingéniosité du barbier Figaro, a enlevé puis épousé la pupille de Bartolo. Rosine sera donc la Comtesse délaissée du Mariage de Figaro. Ce dernier, redevenu valet de chambre du Comte, va épouser le jour même Suzanne, nouveau personnage, camérière et confidente de la triste Comtesse ; la vieille Marceline, obstacle à ces noces car elle prétend épouser Figaro sur la promesse de mariage qu’il lui a faite contre un prêt d’argent qu’il ne peut rembourser. Enfin, un autre personnage essentiel à l’intrigue paraît, Chérubin, un jeune page turbulent et amoureux qui sème involontairement le trouble sur son passage, Barberine, sa mutine et lutine amoureuse, enfin, son jardinier ivrogne de père, Antonio, oncle de Suzanne.

Pièce prérévolutionnaire

Écrite dès 1781, la pièce de Beaumarchais n’est créée que trois ans plus tard, mais censurée pendant des années. Car c’est bien une pièce prérévolutionnaire, dont les répliques contondantes font mouches, comme le féminisme de Marceline, insurgée contre la dépendance des femmes qui ne pouvaient même pas administrer leur fortune, et s’indigne :

« Traitées en mineures pour nos biens, punies en majeures pour nos fautes ! » 

Si, dans le Barbier, Figaro avait deux sentences d’une spirituelle impertinence contre les nobles : « un grand nous fait assez de bien quand il ne nous fait pas de mal » et déclare impunément au Comte : « Aux vertus qu’on exige dans un domestique, Votre Excellence connaît-elle beaucoup de maîtres qui fussent dignes d’être valets ? », dans le Mariage, on trouve la fameuse phrase  de Figaro devenue la devise du journal éponyme, de même nom : « Sans la liberté de blâmer, il n’est point d’éloge flatteur. »

Il y a, surtout, dans le second volet du triptyque, la révolte argumentée du valet Figaro, parfait et loyal serviteur du Comte, qu’il aida à séduire et enlever Rosine : Suzanne lui découvre que son maître ingrat le trahit, veut rétablir le « droit de cuissage » qu’il venait d’abolir, droit du seigneur de posséder avant lui  la fiancée de son serviteur, veut coucher avec celle qu’il doit épouser le jour même. Car, tout comme Le Barbier de Séville précédent, c’est aussi une comédie à l’espagnole avec des parallélismes entre les maîtres et les valets, mais ces derniers deviennent aussi premiers, les valets disputent la première place aux maîtres et donnent même le titre de la pièce. Ils entrent en conflit avec eux, pour le moment en secret, avec la ruse, force des faibles. Et c’est la fameuse tirade, le monologue de Figaro, qui annonce la Révolution en dénonçant la noblesse :  

« Parce que vous êtes un grand Seigneur, vous vous croyez un grand génie !… Noblesse, fortune, un rang, des places […] Qu’avez-vous fait pour tant de biens ? Vous vous êtes donné la peine de naître, et rien de plus… »

Terrible réquisitoire d’un plébéien, d’un Tiers état, qui rue dans les brancards et demandera bientôt l’abolition des privilèges indus de la noblesse.

L’empereur Joseph II, frère de Marie-Antoinette, despote éclairé, favorable à Mozart, écartelé entre libéralisme et conservatisme royal, avait interdit à Vienne la pièce de Beaumarchais, mais pas sa lecture. Il approuva le livret de da Ponte, purgé de ses audaces, du moins la tirade finale impitoyable de Figaro contre la noblesse, qui devient simplement un air convenu contre les ruses des femmes quand il croit que Suzanne a cédé aux avances du Comte.

Cependant, sous la trame d’une ingénieuse comédie aux rebondissements incessants fous et loufoques de cette « folle journée », le conflit entre peuple et noblesse demeure latent et même avoué et ouvert : Figaro, découverts le désir et projet du Comte, décide de le déjouer et le noble, joué, désire se venger sans pitié de ses domestiques. C’est une lutte des classes, dont la franchise est cependant feutrée par le rapport des forces entre le maître tout-puissant et ses serviteurs contraints à jouer les renards contre le lion, la ruse contre la force.

RÉALISATION ET INTERPRÉTATION

           Arbitraire décoratif

          Je ne peux que répéter ici mon admiration pour la beauté esthétique de l’ensemble déjà apprécié en 2019, sublimé par les lumières changeantes mais toujours expressives de Bertrand Couderc. Tout en regrettant toujours que Vincent Boussard, pour sa mise en scène, ait sacrifié à l’académisme déjà bien vieux de la supposée « modernisation » des œuvres scéniques mis en faveur, dans les années 70, par les Ponnelle et Chéreau, sentant bien fort son demi-siècle usagé, vu, trop vu, qu’on se fatigue de voir, qu’on ne peut plus voir tant cela frôle l’arbitraire et le mépris de l’œuvre intrinsèque, pour la coquetterie, décorative plus que significative, d’un placage extrinsèque d’effets qui finissent par ne plus en faire tellement on en est saturé.

Inutile bric à brac

Avec des superbes costumes d’un XVIII^e siècle réinventé par lui-même avec la collaboration d’Elisabeth de Sauverzac (qui n’est plus citée dans le programme 2024), véritable création saisissante, robes noires à paniers des dames gantées de couleur, perruques vertigineuses défiant tout ce qui se faisait d’audacieux en la manière (et matière), on se demande pourquoi une comtesse en costume pantalons puis lunettes d’aujourd’hui, un Comte et un Bartolo en habits XIX^e, puis smoking pour le noble, une Marcelline en vamp hollywoodienne et une Barberine en Bunny de Playboy, une ascétique Suzanne en tristounette tenue noire et petit col blanc de collégienne ou sévère bonne de quelque famille puritaine, un Basile en chapeau melon, un Figaro indéfinissable. Pourquoi ce gramophone, cette voiture d’enfant absent de l’œuvre, ce lampadaire, etc, etc ? Si, comme le metteur en scène le soulignait dans la production de 2019 dans un avant-propos, « cette œuvre [a] une ‘contemporanéité’ définitive », la surligner par ces signes chronologiquement hétéroclites est un définitivement un pléonasme et n’apporte rien, réduits à l’anachronisme hétéroclite et hétérogène.

On se demande pourquoi Figaro, qui ne mesure que de l’œil la pièce que leur octroie la générosité intéressée du comte, attenante aux chambres des deux nobles époux, se réjouit de ce débarras ou dépotoir indigne autant des maîtres que des valets.

En tous les cas, la dimension historique, ce qui reste encore vif chez Da Ponte de la pièce subversive de Beaumarchais malgré l’amputation de la tirade prérévolutionnaire finale de Figaro remplacée par une satire convenue contre les femmes, sombre dans le noir malgré un Figaro juché sur l’échelle peut-être sociale : le triomphe hégélien de l’esclave sur le maître, qui passe sur le devant de la scène, même dans le titre de la pièce. On convient, cependant, qu’il y a deux signes forts de ce renversement social : le Comte laçant les souliers d’un Antonio mal fagoté pour le mariage, et la touchante inversion des rôles lorsque c’est la Comtesse qui habille sa camérière, là, oui, magnifique robe blanche comme la tardive version en noir de la Comtesse, fleur nocturne issue de la nuit étrange du jardin.

          Fantômes encombrants pour huis clos expressif

          Sans qu’on comprenne pourquoi ces fantomatiques personnages, à l’indiscrète présence envahissant jusqu’aux loges d’avant-scène, interviennent dans l’action, ouvrant, fermant des portes, renversant une chaise, déplaçant le fusil du comte, détournant et parasitant l’attention de la musique et du jeu, du vrai théâtre qu’est cet opéra où tout du texte et musique est si miraculeusement imbriqué qu’il semble qu’il n’y a qu’à les suivre humblement pour les servir, comme la scène du déguisement de Chérubin avec Suzanne et la Comtesse où tout, de la gestuelle et du jeu, est précisément, génialement dicté par texte et musique : on peut s’écarter du texte pour en tirer du sens, mais s’en écarter pour ne rien apporter, est plus qu’une faute : une bêtise.

          On concède l’intéressante idée de mise en scène, cette cour (comme royalement et égoïstement isolée au monde) fermée sur trois côtés, vase ou champ clos sur lui-même orné de planches scientifiques semble-t-il de l’Encyclopédie, ou du moins dans le style, mais qui en deviennent cabalistiques. Sur ce plancher d’en bas se penche du haut d’un parapet ce public privilégié avec une curiosité, sans doute plus intellectuelle qu’affective, malsaine, morbide, d’une société savante au rationalisme poussé à l’excès : l’humain comme un spectacle et objet d’expérience. Au-delà de l’érotisme pervers, Sade, c’est cela. Les animaux empaillés, peut-être reliques muséales de l’Ancien Régime, sont peut-être déjà le résultat de semblables expérimentations. Qui nous font frémir de tant d’autres que l’Histoire a connues.

          Mais on regrette que cette métaphore ne puisse être filée longtemps, l’œuvre résistant de tous ses bords, réduisant ce somptueux public oisif, indiscrets témoins, à faire une sorte de figuration scénique inutile et encombrant l’espace. Les robes flashy, rose, vert, jaune cru, des jeunes filles chantant le généreux seigneur qui a aboli le droit de cuissage illuminent un moment la noirceur ambiante dans ces tons finalement variés de noir qu’on dirait inspirés des variations les plus subtiles de Soulages.  

          Il reste ce cube, chambre et antichambre de la Comtesse au plancher déclinant de fin de dynastie ou de régime, aux parois ornées d’une luxueuse tapisserie rasante de Vincent Lemaire, que les lumières latérales ou plongeantes de Bertrand Couderc doteront d’une vie, d’une suffocante beauté avec ces portes et fenêtres indiscernables pour des personnages pris au piège comme des animaux dans une cage, des insectes dans une boîte fermée d’un onirique voile, prolongation sans doute de l’expérience. Mais laquelle ? Si c’est le couple en crise, c’est aussi intemporel que tout mariage…Cependant, on goûte le raffinement esthétique de l’ensemble et ces projections de fonds de tableaux d’époque, Goya, Tiepolo ou Gainsborough, qui apportent une éclaircie de rêve à ce qui, estompant le bouffe, est bouffi de noirceur. Au rythme près, de comedia dell’Arte, de comédie mécanique de l’ouverture et fermeture répétée de ces portes qui ne claquent pas, de ces fenêtres dont une seule, on l’apprend par le saut de Chérubin, donne sur un jardin. Et un parc somptueux aux arbres animés ou inanimés par la lumière ou l’ombre.

Rajouts de scènes et suppressions

Avec l’inévitable nécessité de changement de décor et de costumes pour les choristes parfaits (Florent Mayet) imposant deux « précipités » allongeant par trop la longueur du spectacle, alors qu’il y a toujours des scènes amputées pour justement alléger la longueur de l’opéra, nous avons ici le rajout de certaines brèves scènes, traitées en inutile mimodrame muet (Barberine/ Chérubin, etc.). Quitte à rallonger, alors, pourquoi ne pas rétablir l’air final de Marcelline (contestataire féministe dans Beaumarchais), qui exprime chez Da Ponte/Mozart une « sororité » prémonitoire avec Suzanne et les autres femmes contre la cruauté des hommes ? D’autant que ce menuet, Il capro e la capretta, est le seul air à vocalises, à cadences virtuoses. Encore baroque, il donne la mesure d’un personnage sans doute du passé dans cet opéra conversation de l’avenir. Il y a aussi l’air toujours coupé de Basile, le seul air de ténor de l’œuvre, exprimant la nostalgie du passé, qui montre combien Mozart se préoccupait de laisser de l’air, des airs, aux personnages secondaires. Il est vrai que, s’ils apportent à la psychologie humaine des deux personnages datés, ils retardent une action qui va se centrer au final sur Figaro et Suzanne pris dans le jeu de dupes de leur deux airs respectifs, moments de rage pour lui, de grâce pour elle, mais, à part le suffocante beauté de la musique, une enfilade de clichés, homme dépité et femme se jouant de sa jalousie.

Vivifiante direction

En saluant le continuiste inventif au pianoforte, qui soutient les récitatifs, on regrettera l’absence de son nom dans la distribution, à moins que ce ne soit Astrid Marc, simplement indiquée « Pianiste/cheffe de chant ».

Le tout nouveau directeur de la musique, le flambant Michele Spotti, enflamme littéralement l’Orchestre de l’Opéra de Marseille par une vivacité sans faille, un tempo électrisant qui rend à la folie cette « Folle journée », sous-titre de l’œuvre. Il entre par la grande porte dans le cœur reconnaissant du public mélomane de notre Opéra qui, avec l’orchestre, lui réserve une éclatante ovation méritée. Seul regret pour l’Espagnol qui écrit ces lignes, le fandango. Mozart l’emprunte au ballet Don Juan de Glück (1761) qui l’emprunte lui-même à un air à la mode à Vienne. Spotti l’expédie si prestement qu’il en perd son caractère de danse, sans qu’on en sente la géométrie, les arêtes toujours découpées, sans « barbe », des rythmes espagnols qui trouvent toujours dans des lignes sensibles la sensualité élégante de la danse.

Mais on sent avec bonheur le contrôle sans faille, dans un heureux consentement, des chanteurs transcendés dans leur jeu par cette direction de feu. On apprécie le traitement des personnages pittoresques : un Don Curzio juriste (Carl Ghazarossian) affublé d’un masque de médecin du temps réchappé de l’expérience ou de la peste, ironique oiseau poussant des cris perçants sur une haute branche perché, comme un caquetant corbeau de mauvais augure pour cette société, un Antonio (Renaud Delaigue), haute stature et figure avinée et ravinée, laissant percer la brute patriarcale avec droits sur les femmes face à Figaro, autoritaire avec sa nièce Susanna, vainement grondant avec son espiègle et gaffeuse fille Barbarina, l’adorable Ammandine Ammirati, qui perd l’épingle, sans doute sa virginité, mais pas le nord en prenant le Comte à son piège de maître harceleur, lui arrachant le consentement de son mariage avec Chérubin. Tout aussi réussi que dans la version 2019, aussi ondulant dans sa soutane sous son chapeau melon incongru qu’insinuant et jubilant de malice perverse, le Basilio de Raphaël Brémard, distillant le venin ironique de son « quel ch’ho detto era solo un mio sospetto… » 

Venus empêcher le mariage de Figaro, couple qu’on marierait aussitôt s’ils ne le faisaient plus tard, la plaignante Macellina et son avocat Bartolo, vieux complices ou compères d’autrefois. Frédéric Caton, bougon, grognant, rumine la vengeance contre Figaro qui lui ravit Rosina, en lisant, comme s’il se répétait le code des lois, dans une technique vocale bouffe de ces airs de liste, d’énumération accélérée, dont le catalogue de Leporello sera un modèle. La Marcellina de Mireille Delunsch, retrouvée avec bonheur, pratiquement caricaturée toujours en vieille femme indigne saisie par le désir, n’en ferait pas une indigne conjointe de Figaro, qu’elle couve d’un œil frugivore, à notre époque qui inverse heureusement les rapports d’âge entre les couples, passant le relais aux dames arborant un jeunot : dans leur piquant duo, sa belle allure contredit la méchanceté de Suzanne tout en justifiant ironiquement, son trait qui semble vérité : « l’amore di Spagna ».

          Le Cherubino d’Eléonore Pancrazi est le garnement sympathique qu’on attend et on lui réserve un accueil chaleureux, palpitant et fiévreux dans son premier air fiévreux, teinté de mélancolie dans sa romance à la Comtesse malgré la suite escamotée du travestissement. Mais jolie trouvaille de scène, l’adolescent s’adresse alors, dans son désir vague sans objet particulier mais général, à l’ombre, à l’effigie, à la silhouette d’une femme absente, fantasme rêvé, qu’il étreint comme une poupée gonflable.

          Le Comte, qui finalement est vaincu par la coalition des femmes et du valet, est souvent intelligemment mis hors-jeu, isolé par le rideau d’un monde qui le dépasse, qu’il ne contrôle plus : vaincu. C’est une image plus dramatique que bouffe, mais frappante et plausible dans son expressivité. La baguette légère du chef, paraît déjà le fustiger mais souligne la légèreté de ce coureur de jupons campé par un Jean-Sébastien Bou, à la voix redoutablement acérée comme l’épée —absente— dont parle le texte avec insistance, remplacée —bêtement—par un fusil pour tuer le page, revenant dans la boîte à malice du piège du placard de la chambre de la Comtesse, sans les outils qu’il était parti chercher pour en forcer la porte. Redoutable époux caldéronien sur un simple soupçon d’infidélité de sa femme, infidèle par principe ou droit arrogant de naissance au-dessus des lois, il laisse exploser une peu noble rage, ivre de vengeance contre les serviteurs inférieurs dont il l’entend qu’ils l’ont roulé.

La digne épouse de cet indigne mari, c’est Patrizia Ciofi. ue dire que je n’aie déjà dit sur cette superbe et émouvante interprète dans chacun de ses rôles? Magnifique image, toute de noir vêtue, adossée à l’embrasure noire d’une porte, seul son visage blanc éclairé d’une lumière tombante, plus que la femme mélancolique habituelle, humiliée, par sa simple posture, elle est presque une  héroïne tragique au bord du désespoir dans son premier air, qui serre le cœur dans sa sobriété douloureuse, filant des sons à l’infini du souffle dans le second, de cette voix ronde, boisée, égale, aux aigus sûrs, secouée soudain par la révolte puis soulevée d’espoir : une prise de rôle bouleversante par sa vérité en 2019, affinée, raffinée et tout autant pleine de vérité humaine dans celle-ci. Elle adhère et s’arrache à son ombre projetée quand elle chante les ombres heureuses du passé enfui.

          Crise du couple : le couple de domestiques n’y coupera pas non plus dans le pessimisme ambiant de cette réalisation cohérente, au moins en cela, dans sa noirceur. Susanne est d’une gravité accusée par son strict costume de couventine sans grâce. Heureusement, par sa grâce scénique, Hélène Carpentier l’arrache à cette pesanteur, même si, encore une fois, dans une pièce bouffe malgré tout où les gifles volent dans la logique du genre, la mise en scène la prive de celles qu’elle dispense, en texte et musique, à Figaro ; elle est touchante de crainte et de malice dans le duettino, scène réussie, avec le Comte et suspendra les cœurs de délicatesse dans son air final dit des « Marronnier » où elle joue un Figaro égaré aux écoutes. La voix ruisselle comme le ruisselet qu’elle évoque, bouillonne de volupté retenue.

Son Figaretto, Robert Gleadow, dont la masse corporelle ne justifie pas forcément ce doux diminutif le justifie peut-être par son art, très ludique et bouffe de souplesse bondissante qui dit celle de son esprit sans cesse inventif. La voix est ronde, pleine, riche, mais, sans doute émoussée par des revêtements feutrés du décor et une mauvaise place par la mise en scène, sensible aussi pour Bartolo, elle semble manquer de mordant dans son premier air, alors qu’il est tout muscle et nerfs dans son jeu convaincant.

Encore un triomphe pour un Opéra de Marseille plein d’un enthousiaste public. Benito Pelegrín

 

Opéra de Marseille

Le Nozze di Figaro, Da Ponte/Mozart

Production Opéra de Marseille

Direction musicale : Michele SPOTTI
Assistant direction musicale : Federico TIBONE

Mise en scène et costumes Vincent BOUSSARD

Assistante mise en scène : Diane CLÉMENT

Décors : Vincent LEMAIRE
Lumières : Bertrand COUDERC
Assistant lumères : Julien CHATENET

Régisseur de production :  Jean-Louis MEUNIER/ Régisseur de scène : Camille BIDAULT/Régisseuse de figuration : Alexandra BEIGNARD

Surtitrage Richard NEEL /Régie de surtitrage Qiang LI

La Comtesse Patrizia : CIOFI

Suzanne : Hélène CARPENTIER

Chérubin : Eléonore PANCRAZI

Marceline : Mireille DELUNSCH

 Barberine : Amandine AMMIRATI

Le Comte Almaviva : Jean-Sébastien BOU

Figaro : Robert GLEADOW
Bartolo : Frédéric CATON
Don Basilio : Raphaël BRÉMARD

Antonio : Renaud DELAIGUE
Don Curzio : Carl GHAZAROSSIAN

Orchestre et Chœur de l’Opéra de Marseille/ Chef de chœur Florent MAYET
Pianiste / cheffe de chant Astrid MARC

 

Photos Christian Dresse

 

 

Photos Christian Dresse

1. Suzanne et le Comte surpris dans le jardin;
2. Le comte, Chérubin, Figaro, Suzanne; 
3. Le piège de la chambre de la Comtess;
4. Comtesse et Comte recevant l’hommage des jeunes filles;
5. Curzio masqué, Bartolo, Figaro, Marcelline;
6. Prélude au mariage;
7. La Comtesse bafouée.

 

SAVANTE SIMPLICITÉ

SANTA MISA ROMANI
Pour douze voix mixtes, mezzo-soprano solo, voix flamenca solo et violoncelle obligé.

Une œuvre de Yardani Torres Maiani, par l’Ensemble Musicatreize, sous le direction Roland Hayrabedian, Salle Musicatreize, Marseille, vendredi 19 avril 2024

UNE MESSE GITANE

Dans notre tradition catholique, une messe était toujours en latin, Une langue devenue, au fil du temps, incompréhensible aux fidèles. Luther avait commis la révolution, sacrilège pour l’Église officielle, de traduire les textes sacrés en langue vulgaire, vernaculaire, celle de tous, entraînant la rupture protestante.

Il faudra attendre 1962 pour que le Concile Vatican II permette la messe en langue vernaculaire. En 1964, le compositeur argentin Ariel Ramírez peut écrire sa Misa Criolla, avec les cinq parties canoniques, mais en espagnol, mais aux rythmes et couleurs de la musique de son pays natal. Bien accueillie au Vatican, elle y fut donnée sous Paul VI, inscrite au catalogue, reconnue comme une « œuvre d’importance religieuse universelle ».

La Misa Tango (Misa a Buenos Aires, 1996,) du compositeur argentin Martín Palmeri, sur des rythmes de tangos, reprenait le texte canonique latin.

Un précédent perdu

Fin 1945 le guitariste Sinti, Django Reinhardt se lance dans la composition d’une messe en hommage « à [s]es frères gitans », victimes tsiganes du nazisme. Il l’intitule « messe des Saintes-Maries-de-la-Mer », haut lieu de pèlerinage des gens du voyage. De la partition perdue, il ne subsiste qu’un bref enregistrement radiophonique d’une réduction à l’orgue, bien trop peu pour s’en faire une réelle idée.

MALENTENDU

          Par caprice de mon imprimante, n’ayant lu que la première page de la présentation de l’œuvre par son auteur Yardani Torres Maiani, que je recevais à la radio, j’en ai pris le titre comme la simplification hispanique de la sacro-sainte Sancta Missa romani, le génitif latin romani, accent sur le a, signifiant ‘des Romains’, c’est-à-dire des catholiques, alors que la version espagnole, sainte Santa Misa romani, nécessitant un accent sur le í final romaní que je pensais effacé par l’ordinateur, référait pour moi à la langue des roms dite également romanès.

Comme quoi, à être trop savant on tombe dans le plus simple piège, comme celui de ce titre malicieux, que j’attribuais aux tribulations accentuelles diverses d’un clavier français, où l’absence coupable de l’accent espagnol sur le í, me le faisait renvoyer à sa latinité originelle, puisque sans le texte, je ne pouvais imaginer cette messe avec ses Gloria, Credo, Sanctus et Agnus Dei autrement qu’en latin…

          Et voilà le linguiste que je suis de se lancer, les ondes de la radio étant aussi pédagogiques envers le grand public, dans une savante dissertation linguistique.

          Le romani est une langue indo-européenne, appartenant à la sous-branche indienne qui comprend le sanskrit ^[16] et l’hindi. En raison de la diaspora des roms du sous-continent indien vers l’Europe, le romani a emprunté aux langues iraniennes, à l’arménien et au grec.

Rom, signifie en langue romani ^[17] « homme accompli et marié au sein de la communauté. »

Les roms, terme générique depuis le congrès de de Londres de 1971 (drapeau rom, sur fond vert et bleu, la roue rouge de la caravane) pour désigner les Tziganes / Tsiganes, Bohémiens, Manouches ^[18], ou Romanichels (Europe de, chacun de ces noms ayant sa propre histoire), Sintis, ainsi que globalement « gens du voyage ^[2] » ; en Espagne, Gitans (Égyptiens), Gypsys, Gitans ^[19] (Esmeralda, Notre-Dame de Paris). En Espagne, on parle aussi de raza calé.

C’est alors que Yardini m’explique en souriant qu’en fait, il a voulu créer un paronyme (mots à proche sonorité mais à sens différent) entre le titre officiel de la Sainte messe romaine, donc « Sancta missa romani », et sa Santa misa romani, ‘Messe des Roms’, en romani ou romanés comme je l’interprétais. Et, comme je lui objecte qu’Église signifie assemblée, qu’une messe unit des fidèles pour célébrer le culte, si sa messe est pour les seuls roms, en romani, en langue des seuls roms, elle exclut de fait les gadjos, pour les Français, les payos, pour les Espagnols, qui désignent chez les roms tous les individus étrangers à leur communauté. Mais je m’oppose moi-même que la messe traditionnelle, en un latin, même répété en perroquet était devenu langue étrangère et morte pour la plupart des fidèles, jusqu’à ce que Vatican II l’autorise en langue vernaculaire. Mais ce même malicieux et fin linguiste compositeur, me rassure en m’expliquant que mon erreur ne l’est pas complètement puisque le texte de sa messe à lui mêle au latin l’espagnol et le romani ou romanés…

BIEN ENTENDU ?

On me rapporta que la première de l’œuvre, le jeudi 18 avril 2024 aux Saintes-Maries-de-la-Mer, dans l’immensité de la cathédrale et avec la spatialisation des voix et instruments fut un succès. Mais j’atteste que, dans l’espace plus intime de la salle de Musicatreize, tout en confort boisé de l’acoustique, sans permettre les déplacements des chanteurs forcés à l’immobilité, la réalisation m’en parut d’une émouvante perfection.

D’abord, dès l’entrée, sorte d’introït, sur un impalpable bourdon de voix indéfinies, celle du chanteur de flamenco, Luis de la Carrasca, sonne avec un volume original perdu dans les grossissements actuels des micros pour grande salle qui en dénaturent l’authenticité. Voix souple, ronde, veloutée, sans grossir les effets, il chante « limpio », c’est-à-dire ‘propre’, sans bavure, sans « savonner », sans débordements des mélismes, chapelets musicaux, qu’il déroule avec aisance dans l’émotion, qu’il communique : je ne sais si une toná ou une carcelera, à ce que j’en retiens, un fils, sans doute prisonnier, désolé de n’avoir plus d’encre pour écrire à sa mère. Cela se glisse tout naturellement et annonce le rituel de la messe, d’une religion catholique, qui signifie ‘universel’ dont le lien, la relation heureuse et tragique de la Mère et du Fils est sa plus universelle identité. Des palmas, d’abord discrètes, scansion légère des paumes des mains, moins applaudissements qu’appui rythmique, soutiennent le chant, plus pressantes et oppressantes dans le Kyrie eleyson, ‘Seigneur, prends pitié’, d’imploration, cette fois, au Père, sur les gémissements ou longs sanglots ambrés, ombrés, du violoncelle (Nathalie Forthomme)

Le Gloria, en espagnol, romani et latin, très allant, entraînant, est lumineux, joyeux. Innommé dans la distribution, intrus anonyme entrant en scène tel un archange, un musicien promène un archet impondérable, volubile violon, oiseau ailé, zélé à voltiger dans l’espace avec un pianissimo, un fini se fondant dans ce que l’on sent infini.

L’alleluia, sur une cadence plagale, jubilant, me semble, inévitablement, avoir des accents de gospel et le violon, des traits tsiganes ou orientalisants, tandis que le flamenco, sur des accords de guitare de Yardani lui-même, qui chantera aussi, fleurit de vocalises sur un texte joyeusement profane avec un « taconeo », des scansions du talon, sur des inidentifiables onomatopées rythmiques.

Mais, renonçant à traquer du sens, je m’abandonne aux sensations, secoué soudain par le Credo où l’entrée sonore et sombre des voix d’hommes est comme un rappel sacerdotal, patriarcal d’où émergent de remarquables plages de voix solistes, jusque-là réservées à une solide et expressive soprano.

Tout comme cette œuvre qu’il faudrait réentendre pour lui rendre pleinement justice, création mondiale incluse dans la trame le Santo de Philippe Hersant mériterait une écoute autonome bien que tout naturellement enchâssé dans cette messe. Le poème du Romanero gitano de Federico García Lorca est dans la logique thématique du gitanisme et le martyre de Sainte Eulalie, dans la couleur du cante hondo, avec des sonneries de cloches irréelles de délicatesse dans le fondu métallique mais moelleux du matériel sonore. Je ne sais plus, saisi d’émotion, si c’est ici ou dans une autre partie, qu’un chœur à bouche fermée déploie insidieusement une brume musicale, un doux vrombissement qui ouvre ou couvre un autre espace de l’esprit ou du cœur.

La courte Debla, prise des Cris de Maurice Ohana, pionnier penché sur le flamenco, étends son ensorcelante emprise par la voix, de la mezzo au prénom lyrique prédestiné, Tosca Helmstetter.

On reconnaît des rythmes de palos flamencos, siguirilla, tanguillo, soleá, bulerías, verdiales, et du folklore andalou comme les sevillanas, mais aussi une rumba, et même des danses baroques picaresques, jácara et zarabanda, mais avec, pour cette dernière, le tempo hispanique vif et canaille de l’époque (on en a gardé l’expression « faire la sarabande » !) et non sa noble mais lente édulcoration dans la suite européenne d’alors.

Maître des lieux et du temps, du tempo, Roland Hayrabédian mène au doigt (que je vois) et à l’œil (invisible pour moi car il me tourne forcément le dos) ses troupes, sa phalange à 13 et les musiciens supplémentaires. Il a l’art de faire sortir le son du silence, d’étager harmonieusement les plans, de tirer, de filer des lignes fines, infinitésimales les retournant à ce silence, sonore finalement, d’où, comme par magie, il les fit naître. Finesse, ferveur, raffinement.

Benito Pelegrin

Natalie Forthomme, violoncelle
Tosca Helmstetter, mezzo-soprano,

Luis de la Carrasca, chanteur flamenco

Ensemble Musicatreize
Roland Hayrabedian, direction

En une, Yardani Torres Maiani © Alberto Garcia

  Un homme pétri d’humanité

« L’homme que je suis n’a pas trahi l’enfant que j’étais. » (Nelson Monfort)

Nelson Monfort, un des commentateurs sportifs les plus aimés des téléspectateurs, commentera la natation et l’athlétisme au Jeux Olympiques de Paris 2024. Parallèlement, il est l’auteur de plusieurs livres dont le tout dernier, sous forme de cahier de vacances, « Un été sport avec Nelson Monfort ». Plus récemment, il a répondu à l’appel de Dionysos et est désormais également comédien avec son ami et acolyte Philippe Candeloro dans une première pièce en tournée dans tout l’hexagone : « Ça patine à Tokyo ».

L’élégance d’un homme public

« La première responsabilité d’un journaliste, d’un communicant, pratiquement de qui que ce soit, est de bien s’exprimer dans notre langue. »

L’élégance de Nelson Monfort, c’est la bienveillance qui le caractérise dans ses rapports à l’autre, qu’ils soient professionnels ou non-professionnels. C’est non seulement le respect de celle ou celui qui le côtoie, mais aussi le respect des mots, de cette belle langue, le Français, dont il use à la perfection, à l’oral comme à l’écrit. Je vous invite à lire « Mémoires Olympiques » aux éditions Michel Lafon. Dans ce livre exceptionnel, Nelson Monfort revient sur tous ses JO : records, rencontres, anecdotes, bons et mauvais souvenirs partagés avec ces champions que nous connaissons tous – Teddy Riner, Usain Bolt et tant d’autres… et, sans langue de bois, nous interpelle sur le sens des Jeux.

Un écrivain sensible, un homme pétri d’humanité

« Pouvoir encore te parler, pouvoir encore t’embrasser, te le dire et le chanter, oui c’est beau, c’est beau, la vie. » (Jean Ferrat)

Je vous invite à lire ‘ Jean Ferrat’ aux éditions du Rocher. Nelson Monfort, lui qui manie avec autant d’aisance l’anglais que l’italien ou l’espagnol, est un amoureux de Ferrat, de Brassens, de Celentano, de Milva… Son livre est un merveilleux hommage à celui qui a rendu notre vie plus belle. Je vous invite à lire tous ses livres. Eux aussi, à l’instar d’écrivains qui pénètrent l’âme, eux aussi nous font aimer la vie. Nelson Monfort est « un grand amoureux des arts et des lettres », un écrivain sensible, à la plume délicieuse, sans grandiloquence, un homme pétri d’humanité.

Nous l’avons rencontré.

Interview 

Danielle Dufour-Verna -Bonjour Nelson Monfort. Vous vous présentez à nos lecteurs ? 

Nelson Monfort – Je suis animateur et journaliste sportif à France Télévisions et, en même temps, un grand amoureux des Arts et des Lettres. J’ai donc également une activité d’auteur et une autre activité, un peu plus récente, de comédien. Je joue avec Philippe Candeloro dans une pièce de théâtre en tournée en France : « ça patine à Tokyo » et c’est vraiment génial.

DDV -Vous jouerez à Avignon ?

Nelson Monfort – Pas dans le cadre du festival, mais oui, nous jouerons à Avignon d’autant plus que notre producteur, Philippe Delmas, est originaire d’Avignon et a ses bureaux à Avignon.

DDV -Comment l’auteur de « Mémoires Olympiques » envisage-t-il ce dernier tour de piste dans le monde de l’olympisme et pourquoi, en fait, devrait-il être le dernier ?

Nelson Monfort – Je vais devoir prendre un petit peu de recul par rapport à un statut de salarié à France Télévisions. Ce pourrait être mon dernier tour de piste mais je pense qu’il y aura d’autres opportunités derrière.

DDV – Sur quel site serez-vous ?

Nelson Monfort – Je vais être sur les deux sports olympiques que sont la natation et l’athlétisme et je m’en réjouis énormément ; la natation en première semaine et l’athlétisme pour la deuxième ; ça remplira bien mon emploi du temps pendant juillet-août.

DDV – Quand on écoute ou quand on lit Nelson Monfort on sent plus que de l’empathie, un humanisme certain, je me trompe ?

Nelson Monfort – c’est très peu délicat pour moi de répondre à cette question. C’est ce que j’essaie de faire, c’est ce que j’essaie d’insuffler. Je vais répondre oui, évidemment ; c’est ce que j’essaie d’être effectivement dans l’approche professionnelle.

DDV – Vous êtes un écrivain qui a déjà fait ses preuves, envisagez-vous l’écriture d’un autre livre ?

Nelson Monfort – Je l’envisage d’autant plus que vient de sortir ces jours-ci aux Editions Magnard un cahier de vacances qui s’appelle « Un été Sport avec Nelson Monfort ». Ce cahier de vacances s’adresse à la fois aux plus jeunes et est également destiné aux adultes, un vrai bonheur d’écriture. 

^[21]

DDV -C’est une véritable amitié avec Philippe Candeloro…

Nelson Monfort -Oui, je trouve que nous sommes complémentaires. On n’a pas du tout le même caractère, c’est évident. Je pense que nous nous sommes, tous les deux, beaucoup apportés réciproquement. Pour jouer désormais cette pièce de théâtre ensemble, il faut bien s’entendre et c’est le cas. Je suis donc très content d’être à ses côtés pour cette jolie aventure.

DDV -Comment le Nelson Monfort que l’on connaît, bienveillant, comment navigue-t-il dans le monde somme toute assez cruel du sport ?

« Faire ce métier sans compromission. »

Nelson Monfort -C’est une bonne question à laquelle il m’est difficile de répondre. J’ai toujours essayé d’être fidèle, d’être honnête, de faire ce métier sans compromission. C’est comme ça et j’en suis très heureux. C’est, je pense, ce qui a fait que j’ai eu un joli itinéraire.

DDV – Vous êtes polyglotte. D’où vient votre amour de la langue de Molière dont vous usez à la perfection ?

Nelson Monfort – Je suis content de répondre à cette question. On me dit parfois ‘c’est formidable de parler plusieurs langues’. Je réponds que la première responsabilité d’un journaliste, d’un communicant, pratiquement de qui que ce soit, est de bien s’exprimer dans notre langue qui est une des plus belles qui existe, comme vous dites, la langue de Molière, de Racine. Je ressens cela comme une vraie responsabilité. Je préfère qu’on me dise ‘vous parlez très bien le Français’ que ‘vous parlez très bien l’Anglais’.

DDV – Vous en usez à la perfection, aussi bien à l’oral qu’à l’écrit.

Nelson Monfort – Je l’espère. C’est une forme de respect du téléspectateur et du respect du lecteur de bien s’exprimer dans sa langue.

DDV -A quoi rêvait le petit Nelson ?

« Respirer, dans tous les sens du mot »

Nelson Monfort – D’avoir une vie, le plus possible, en plein air ! ça peut faire un peu sourire mais voilà ; de pas être cantonné derrière un bureau, d’essayer de voyager, de parcourir le monde peut-être mais surtout d’avoir une vie en plein air ; pour moi c’est très important, respirer ! dans tous les sens du mot et je crois que la profession que j’ai choisie me l’a permis.

DDV -Des parents bienveillants ?

Nelson Monfort – C’est un joli mot de la langue française que vous employez. Oui, des parents extrêmement bienveillants, des parents qui en fait auraient pu avoir l’âge d’être mes grands-parents. Je crois que cela explique aussi beaucoup de choses. J’ai vraiment eu une enfance très, très heureuse, j’étais fils unique et ça explique beaucoup de choses. C’est ce que j’essaie de faire aujourd’hui avec mes enfants et ma petite fille. Je crois que tout cela est assez lié.

DDV – Ma dernière demande, quelle est votre conception du bonheur ?

Nelson Monfort -C’est une devise personnelle mais qui peut s’appliquer à plein de personnes qui vont avoir la gentillesse de lire cette interview, c’est que l’adulte que je suis n’a pas trahi l’enfant que j’étais. 

Danielle Dufour-Verna

 

Après une première édition réussie en septembre 2023 en dépit de la visite papale, le Village Égalité revient à Saint-Mauront le 4 mai prochain de 14h à 20h. Initié par Eclosion13 et la compagnie Duanama, ce projet itinérant, voué par nature à se déplacer de lieux en lieux, de cités en cités, de villages en villages, s’installe cette fois à la Cité Clovis Hugues pour une journée festive et engagée autour de l’égalité femmes-hommes.

Au programme : performances artistiques, concert, rencontres et ateliers participatifs pour explorer les enjeux de l’égalité et célébrer la diversité. Le Village Égalité est bien plus qu’un simple événement, c’est un espace de dialogue et de partage où chacun est invité à devenir acteur du changement. Cette édition est portée par la Compagnie Duanama, implantée depuis sa création dans le quartier de Saint-Mauront. Engagée dans le théâtre et l’éducation populaire, elle oeuvre à amener la culture au plus près des habitants.

Un projet participatif pour un impact durable

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Le Village Égalité, c’est aussi l’aboutissement d’un projet artistique et pédagogique participatif mené avec les habitants du quartier. En amont de l’événement, les ateliers de théâtre forum menés par deux comédiennes de la compagnie Duanama ont permis aux habitants du quartier et aux résidents de la cité de s’exprimer sur l’égalité femmes-hommes et de co-créer une saynète interactive explorant des situations de discrimination et d’inégalité dans laquelle les participants sont invités à trouver des solutions pour les résoudre.

Abordant un large éventail de thèmes liés à l’égalité femmes-hommes, tels que les stéréotypes de genre, la violence sexiste, les discriminations, les ateliers permettent aux participants de développer leur esprit critique et leur capacité à trouver des solutions concrètes aux problèmes soulevés en les incitant à réfléchir aux causes des discriminations et à trouver des moyens de les combattre.

La saynète interactive ainsi créée sera présentée lors du Village Égalité, offrant au public l’opportunité de devenir acteur et de contribuer à la recherche de solutions positives. Jouée par les participants aux ateliers de théâtre forum, elle met en scène une situation discriminatoire et invite le public à intervenir pour changer le cours de l’histoire en proposant des solutions alternatives aux personnages de la saynète ou en jouant un rôle dans la saynète. La participation du public est essentielle pour faire de la saynète interactive un outil de sensibilisation et de changement social afin que tous deviennent ambassadeurs de l’égalité.

« Ma Chambre à ciel ouvert »: un spectacle pour briser les stéréotypes

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Le Village Égalité sera également l’occasion de découvrir « Ma Chambre à ciel ouvert », la dernière création de la compagnie Duanama. Ce diptyque théâtral regroupe deux des quatre performances créées lors du projet Européen Gender Matters et présentées cet été sur le bas de la Canebière au sein d’un bus théâtre : il explore de manière ludique les thèmes de l’identité, de la confiance en soi et de l’acceptation de soi face à la pression sociale.

Composé de deux monologues intimes, joués par Monika Smiechowska et Paola Lentini, il met en scène deux personnages, un clown et un adolescent, qui luttent contre les stéréotypes et les pressions sociaux-familiales pour trouver leur place dans le monde, partageant leurs doutes et leurs espoirs, finissant par trouver le chemin de l’acceptation de soi grâce à une rencontre inattendue.

« Ma Chambre à ciel ouvert » véhicule un message fondamental sur l’importance de l’acceptation de soi et de la lutte contre les stéréotypes. Il encourage les jeunes à être eux-mêmes et à ne pas se laisser influencer par les pressions sociales, montrant que chacun est unique et que la différence est une richesse. Un échange avec le public suivra la représentation pour approfondir les sujets abordés et proposer aux jeunes des outils pour gérer les conflits et renforcer leur estime de soi dans le but de créer un climat plus inclusif et respectueux des différences.

Un après-midi festif pour célébrer la diversité

Le Village Égalité est un véritable vecteur d’émancipation par la culture. Ouvert à tous et à toutes, il célèbre la diversité et le vivre-ensemble dans une ambiance conviviale et festive. Venez nombreux le 4 mai à la Cité Clovis Hugues pour vivre l’expérience du Village Égalité le temps d’un après-midi afin de partager des moments uniques et contribuer à la construction d’un monde plus égalitaire et plus juste! RS

Crédit photo: Mahaut Moulinier-Dourdy

Au programme :

Accueil convivial dès 14h.

14h30/14h45 : Restitution théâtrale participative : Découvrez le fruit du travail des habitants et leurs réflexions sur l’égalité femmes-hommes.

15h30 : Échanges et débats : Des espaces de dialogue sont proposés pour permettre aux habitants du quartier de discuter de cette thématique importante.

16h/16h15 : Présentation du spectacle « Ma Chambre à ciel ouvert » de et avec Monika Smiechowska et Paola Lentini. Suivie d’une rencontre-discussion avec les comédiennes.

17h/17h15 Temps convivial autour d’un goûter. Des ateliers de théâtre et des pauses musicales ponctueront ce moment.

18h : Clôture : DJ Set avec DJ Benoit

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Informations pratiques :

Ateliers de Théâtre Forum

Titre : Questionnons-nous sur l’égalité femmes/hommes

Objectif : Sensibiliser les habitants du quartier de la Cité Clovis Hughes, à Saint-Mauront, à l’égalité femmes/hommes à travers des ateliers de théâtre forum et de théâtre.

Public cible : Jeunes de 15 à 25 ans, familles et seniors de la Cité. Public mixte.

Durée : Du 29 avril au 3 mai de 14h à 16h avec restitution finale le 4 mai à l’occasion du Village Egalité

Lieu : Cité Clovis Hugues, 29 avenue Edouard Vaillant, Marseille 13003.

Partenaires : 13 Habitat, CLCV Bellevue Clovis Hugues.

Inscription à contact@duanama.com ou au +33 6 72 44 62 97

Village Egalité

Date : 4 mai 2024

Lieu : Cité Clovis Hugues, 29 avenue Edouard Vaillant, Marseille 13003

Entrée libre et gratuite

Horaires : 14h/20h

Le Village Egalité s’adresse à un public diversifié, incluant des jeunes, des adultes, des personnes issues de milieux différents vivant dans la cité.

Site : www.duanama.com

Après une escale au Toursky à Marseille en février dernier, le Conte des contes d’Omar Porras poursuit sa route, posant ses valises au Cratère à Alès les 24 et 25 avril prochains. L’occasion pour les curieux de (re)découvrir cette création où le metteur en scène revisite les contes populaires avec une énergie baroque et un humour noir irrésistible.

Cette adaptation théâtrale jubilatoire de l’œuvre de Giambattista Basile, à la fois cruelle et irrévérencieuse, destinée à un public à partir de 12 ans, nous plonge dans un univers foisonnant où se mêlent grotesque, sublime, cabaret et érotisme pour un voyage initiatique aux sources du théâtre populaire.

En préambule

Publié à titre posthume en 1634-1636, « Le Conte des contes » est la première compilation importante de contes de fées publiée en Europe. Les récits, éloignés des canons du conte de fées développés à la fin du XVIIe siècle, traitent du pouvoir monarchique, de la société de cour, ou encore des relations entre les classes sociales.

Ecrit à l’origine en napolitain, le recueil contient les premiers exemples de célèbres histoires comme Cendrillon, Le Chat Botté, Raiponce… Il a eu une influence majeure sur la littérature du genre, notamment Perrault. Redécouvert au XIXe, il est considéré comme l’ancêtre des contes merveilleux européens. Son style encore proche du conte populaire traditionnel témoigne du folklore de l’époque.

Cependant, il marque les débuts de l’émergence du conte de fées en tant que genre littéraire à part entière. « Le Conte des contes ou le divertissement des petits enfants » sera ultérieurement intitulé Il Pentamerone, vers 1674, en référence au Décaméron de Boccace (1349-1353), dont il reprend le schéma général. Quarante-neuf des cinquante contes du livre sont introduits par un premier conte qui leur sert de cadre, et dans lequel un groupe de personnes, durant cinq journées, sont amenés à raconter des histoires.

Le récit-cadre qui constitue un conte à part entière est un conte de type AT 425, à l’image de celui d’Amour et Psyché dans L’âne d’Or d’Apulée. Basile y raconte l’histoire de la princesse Zoza, unique fille du roi de Vallée Velue qui n’arrive pas à la divertir : dans ce conte de fée, la jeune princesse déchue, maudite par une vieille femme dont elle s’était moquée, devra affronter et surmonter de multiples épreuves afin de retrouver son Prince et l’épouser.

Une thérapie par le conte

Ici, l’histoire d’Omar Porras débute dans une demeure au cœur d’une forêt. Monsieur et Madame Carnesino se sont mis à table avec leurs enfants, Prince qui refuse de parler et Segondine, sa jeune sœur. Ils n’arrivent pas à arracher Prince à la mélancolie et craignent que Segondine ne soit contaminée par ce mal pernicieux. Arrive alors le Docteur Basilio en qui ils placent tous leurs espoirs.

La thérapie révolutionnaire du bon Docteur repose sur la narration de contes : « il était une fois, il était deux fois, il était trois fois… » Répète, tel un mantra, notre Monsieur Loyal, le maître de cérémonie, nous avons nommé le pétillant et sémillant Docteur Basilio. S’en suit une succession d’histoires tragicomiques, d’épopées musicales et de poèmes fantaisistes, revisités avec audace et inventivité, où une pléiade de personnages féminins se succède devant le jeune homme.

La succession de ces récits, intrigues amoureuses tantôt drôles, tantôt merveilleuses, tantôt inquiétantes, dessine un parcours initiatique au jeune homme et l’amène sur la voie de la guérison, entrainant Prince -et le public- dans un tourbillon d’émotions et de réflexions sur la société, le pouvoir et les relations humaines.

Des contes revisités

Parmi les contes revisités, la Gatta Cerentolla présente une Cendrillon farouche et un tantinet manipulatrice, fort éloignée des versions édulcorées de Perrault. Incarnée par deux comédiennes qui parlent et agissent en symbiose totale, elle raconte à Prince comment elle a assassiné ses marâtres successives. Le jeune homme se retrouve à la place d’une troisième et bien douce Cendrillon. Le regard hébété, il assiste à leur récit, puis, de plus en plus apeuré, fuit les deux furies.

Dans l’Ourse revue et corrigée, on découvre la bella Precioza qui se coupe les mains pour fuir un père incestueux voulant la prendre pour femme. Transformée en homme par une fée, elle redevient la plus belle femme de la contrée et ses mains repoussent lorsqu’elle rencontre l’amour.

Pêle-mêle, le Docteur Basilio nous conte une version paysanne de Peau d’âne avec le personnage de Zapatella ; une version étonnante de la Belle au Bois Dormant dans Le soleil, la lune et Thalie où la belle endormie est jouée par Prince, l’histoire du Chaperon Rouge vorace, du serpent amoureux d’une belle, du comédien transformé en crapaud ou encore L’histoire des trois cédrats ou L’amour des 3 oranges par lequel s’achève le spectacle avec son joyeux french cancan sauce burlesque.

Un spectacle total

La mise en scène d’Omar Porras est un véritable festival baroque, où l’exubérance et la théâtralité sont poussées à leur paroxysme. Déployant une mise en scène inventive, où se mêlent musique, danse, chant et jeu d’acteur et où chaque élément contribue à l’expérience immersive du spectateur, le metteur en scène offre à nos sens un spectacle total.

Il joue sur les contrastes, tant au niveau visuel que thématique : le sublime côtoie le grotesque, le comique flirte avec le tragique, et l’érotisme se teinte de violence : certaines scènes peuvent choquer, à l’image de celle du repas de famille. Ces oppositions créent une tension dramatique et maintiennent l’attention du public en éveil.

On retrouve également dans sa mise en scène des éléments de la Commedia dell’arte, en l’occurrence dans le jeu des acteurs, leur gestuelle et les improvisations. Cet héritage contribue renforcer l’énergie comique et la dimension populaire du spectacle, en particulier grâce au personnage du conteur-acteur, le Docteur Basilio aux multiples talents, à la fois chanteur, musicien, danseur et mime.

Des comédiens étonnants

Les comédiens au jeu expressionniste incarnent avec brio des personnages hauts en couleur : le père, loup garou dévoreur de chair ; la mère, une hyène à la beauté glaciale; le fils, Prince, un gringalet qui refuse de dire un mot ; Segondine, la sœur de Prince dotée de lunettes à double foyer qui lui mangent un visage ingrat, les cheveux ornés de couettes de petite fille intelligente, un tantinet perverse; le docile cuistot ‘transformiste’, un bon chien qui pourtant n’est pas sans rappeler Hannibal Lecter avec son masque noir recouvrant sa bouche pour l’empêcher de dévorer ses maitres, et la servante, une belle plante muette.

Il ne faudrait point oublier le lapin Velazquez, une peluche plus vraie que nature et un personnage à part entière dont la fin de vie n’est guère enviable. « Il s’appelle Velazquez par ce qu’on l’a peint » apprenons-nous de la bouche du docteur Basilio, peu avare en blagues. Le docteur Basilio qui a toujours le verbe juste et la saillie opportune est un personnage à la fois drôle et inquiétant. Citons son savoureux « Je gagnerais plus avec un crapaud qui parle qu’avec un comédien qui joue » de la jeune fille qui refuse un baiser au comédien transi d’amour pour elle, hélas!, transformé en crapaud.

Le travail corporel des comédiens avec leurs mouvements chorégraphiés et leur manipulation de la peluche qui prend vie sous nos yeux, est étonnant de justesse, avec une mention spéciale pour Philippe Gouin à la gestuelle d’une précision chirurgicale, comédien complet aux multiples talents. Citons la scène avec la cervelle ou ses accroches, face public. Le jeu de l’acteur qui incarne Prince est à saluer : dos public, écoutant la radio et son programme remontant le temps, Un conte entre 23 h et 22h59, son dos happe littéralement le regard du spectateur.

Une scénographie sublime

La scénographie est à la fois réaliste et fantastique. La table du banquet, avec ses carcasses d’animaux et ses boyaux, véritable œuvre d’art macabre, est un exemple frappant de l’esthétique macabre et baroque du spectacle. Lorgnant du côté d’un Tim Burton, voire d’un Peter Jackson à ses débuts, elle transporte le spectateur dans un univers gothique et merveilleux. Mention spéciale pour les costumes colorés des personnages, à la fois extravagants et grotesques. Ils renforcent l’aspect carnavalesque de la pièce. Chaque détail visuel contribue à créer une ambiance immersive et à stimuler l’imagination du spectateur.

La musique : le 8^ème acteur de la pièce

Dans « Le Conte des Contes », la musique n’est pas un simple accompagnement, elle est un acteur à part entière de l’expérience immersive du spectateur. Elle joue un rôle essentiel dans la création de l’univers baroque du spectacle, accompagnant les scènes, soulignant les émotions et participant à la construction des ambiances. Tantôt joyeuse et festive, tantôt sombre et inquiétante, elle contribue à l’intensité dramatique de chaque scène, à l’immersion du spectateur et à la création d’un univers théâtral unique et captivant.

Par exemple, le choix du morceau de guitare électrique, lors de la scène où le cuisinier se transforme en hard rocker métaleux, renforce le côté enragé d’un personnage blessé, sans cesse rabaissé. Ce dernier apparaît dans une cage sous des lumières stroboscopiques blanches tel un être, mi-homme mi-bête, assoiffé de sang et déchainé, qui veut rompre ses chaînes pour être ce qu’il est.

La musique annonce également les changements de scène et de décors : la scène où Segondine, assise sur un plateau tournant, joue un morceau de piano allant crescendo jusqu’à ce qu’elle disparaisse de scène marque un tournant dramatique. Le pizzicato de la contrebasse exécuté par le mélancolique Prince crée, quant à lui, une douce respiration musicale traduisant la tristesse de Prince.

Les jeux de lumière jouent un rôle important dans la création d’atmosphères : utilisés pour créer des contrastes, souligner des moments clés de la narration ou encore accompagner les mouvements des acteurs, ils sont essentiels à certaines scènes. La scène de la tempête est, en tout point, un exemple de réussite en termes de création lumière, visuelle et sonore. Les effets sonores, ici le bruit du vent tempétueux, contribuent à l’immersion du spectateur en créant un environnement sonore réaliste et suggestif.

Saluons ici le travail des techniciens sans lesquels le spectacle ne pourrait avoir lieu, ni sa magie par ailleurs. Ils font partie du spectacle à part entière.

Un humour noir et une critique sociale acerbe

Le spectacle ne manque pas d’humour noir et d’ironie. Omniprésents dans le spectacle, ils créent une complicité avec le public et l’invitent à réfléchir sur les thèmes abordés. Le rire devient alors un outil d’immersion et de distanciation critique. Ici, les contes revisités à la sauce gore et les interludes musicaux décalés – citons la balade du Docteur Basilio- provoquent le rire tout en questionnant les travers de notre société. Le slam poétique de Prince, véritable ode anticapitaliste dénonçant la maltraitance animale, illustrent la dimension engagée de la pièce.

Bien que le spectacle ne soit pas interactif au sens strict du terme, il crée une proximité avec le public grâce au jeu des acteurs et aux interpellations du maître de cérémonie. Le spectateur se sent impliqué dans l’histoire et partage les émotions des personnages.

In fine, « Le Conte des Contes » est un spectacle total, à la fois drôle, intelligent et visuellement époustouflant. Omar Porras et le Teatro Malandro nous offrent une expérience théâtrale unique, qui ravira les amateurs de contes et de théâtre populaire. Elle transporte le spectateur dans un univers unique, où l’émotion, l’humour et la réflexion se mêlent pour une expérience théâtrale inoubliable. Ne manquez pas ce voyage initiatique au cœur de l’imaginaire et de la théâtralité !

Diane Vandermolina

Le Conte des contes

D’après Lo Cunto de li cunti (Le Pentamerone) de Giambattista Basile

Production : TKT Théâtre Kléber-Méleau; co-production Théâtre de Carouge avec les soutiens de Pou-cent culturel Migros, de la Fondation Champoud et de la fondation suisse pour la culture Pro Helvetia pour la tournée.

Conception et mise en scène : Omar Porras – Teatro Malandro

Adaptation et traduction : Marco Sabbatini et Omar Porras

Avec : Simon Bonvin, Melvin Coppalle, Philippe Gouin, Marie-Evane Schallenberger, Jeanne Pasquier, Cyril Romoli et Audrey Saad

 A partir de 12 ans

En tournée :

Le Cratère, scène nationale d’Alès (FR) – 24 et 25 avril

Théâtre Nanterre-Amandiers (FR) – du 16 mai au 1er juin

En une, crédit photo: DR

Pour en savoir plus :

GIAMBATTISTA BASILE — Né en 1575 à Naples, Giambattista Basile est engagé dans l’armée de Venise où il vit jusqu’à trente-trois ans : après quelques mois passés loin de sa ville natale, à Mantoue, en 1612-1613, il est gouverneur d’Avellino en 1615, puis d’Aversa et de Giugliano, en Campanie, où il meurt en 1632. Il a écrit de la poésie comme Les Pleurs de la Vierge (1608), des Madrigaux et odes (1609), des Églogues amoureuses(1612), mais aussi un drame en cinq actes, Vénus affligée (1612), et Le Conte des contes ou Le Divertissement des petits enfants (vers 1625). Dans cette dernière somme composée en napolitain, il joue aussi bien de la gouaille de figures populaires que de la préciosité du baroque italien.

OMAR PORRAS — Après avoir grandi en Colombie, Omar Porras arrive à̀ Paris à l’âge de vingt ans, en 1984. Il fréquente d’abord la Cartoucherie de Vincennes, découvre, fasciné, le travail d’Ariane Mnouchkine et de Peter Brook, fait un bref passage dans l’Ecole de Jacques Lecoq, travaille avec Ryszard Cieślak, puis rencontre Jerzy Grotowski — ce qui l’incite à s’intéresser aux formes orientales (Topeng, Kathakali, Kabuki). Il fonde le Teatro Malandro à Genève en 1990, affirmant une triple exigence de création, de formation et de recherche. Son répertoire puise autant dans les classiques avec Faust de Marlowe (1993), Othello (1995) et Roméo et Juliette (2012 en japonais) de Shakespeare, Les Bakkhantes d’Euripide (2000), Ay! QuiXote de Cervantès (2001), El Don Juan de Tirso de Molina (2005; 2010 en japonais), Pedro et le Commandeur de Lope de Vega (2006), Les Fourberies de Scapin (2009, 2022) et Amour et Psyché (2017) de Molière, Le Conte des contes (2020) que dans les textes modernes avec La Visite de la vieille dame de Friedrich Dürrenmatt (1993; 2004; 2015), Ubu roi d’Alfred Jarry (1991), Strip-Tease de Slawomir Mrozek (1997), Noces de sang de García Lorca (1997), L’Histoire du soldat de Ramuz (2003; 2015; 2016), Maître Puntila et son valet Matti de Brecht (2007), Bolivar: fragments d’un rêve de William Ospina (2010), L’Éveil du printemps de Wedekind (2011) et La Dame de la mer d’Ibsen (2013). Il explore l’univers de l’opéra avec L’Elixir d’amour de Donizetti (2006), Le Barbier de Séville de Paisiello (2007), La Flûte enchantée de Mozart (2007), La Périchole d’Offenbach (2008), La Grande-Duchesse de Gérolstein (2012), Coronis (2019) et celui de la danse avec Les Cabots, pièce imaginée et interprétée avec Guilherme Botelho de la Compagnie Alias (2012). Il interprète également La Dernière Bande de Samuel Beckett, mise en scène par Dan Jemmett (2017), et Ma Colombine de Fabrice Melquiot (2019), un seul-en-scène poétique qui raconte sa jeunesse en Colombie et sa rencontre avec le théâtre, mais nous avons aussi pu le retrouver au plateau avec sa troupe avec Carmen l’audition et Pour Vaclav Havel (2021). Il a reçu plusieurs distinctions dont, en 2014, le grand prix suisse du théâtre/Anneau Hans-Reinhart et dirige depuis 2015 le TKM Théâtre Kléber-Méleau. En 2022, pour les 400 ans de la naissance de Molière, il reprend la création des Fourberies de Scapin. Sa dernière création, Ritualitos (2023) réuni la chanteuse Maria de la Paz, le guitariste William Fierro et le compositeur Christophe Fossemalle autour d’un hommage musical à l’Amérique Latine et à la Terre.

Pythéas Explorateur du Grand Nord

Fragments de Pythéas traduits du grec ancien par Christian Boudignon

Éditions Les Belles Lettres,

242 pages, 17€90.

          Marseille, autrefois Porte de l’Orient, perdant l’Orient, donc, désorientée, a aussi perdu le nord, celui de ses quartiers aujourd’hui perdus, comme je le disais dans un de mes livres, Marseille, quart nord. Or, historiquement, culturellement, scientifiquement, c’est Marseille, Massalia, du moins l’un de ses fils, Pythéas le Massaliote, qui, le premier au quatrième siècle avant notre ère semble, s’être lancé à la découverte du nord, du cercle polaire arctique, à sa localisation.

          Mais Pythéas, qui le connaît à Marseille ? Malgré l’ostentatoire fronton de la Bourse du Commerce dans son arrogante et replète puissance bourgeoise du XIX^e siècle, cantonne sa statue dans une haute niche au coin droit, faisant symétrique paire avec Euthymènes à gauche, autre mythique navigateur antique, tous deux trop hauts et peut-être trop vus pour qu’on les puisse voir encore. Usure fatale du regard familier.

          Et c’est un homme de notre nord établi dans notre sud, le journaliste-écrivain comme il se définit, par ailleurs correspondant de notre Académie de Marseille, François Herbaux, qui, dans son dernier ouvrage, fait le point, à tous les sens du mot, sur Pythéas, renouvelant notre regard par l’acuité du sien.

          Enquêtes, polar polaire

« Homme du nord », autre définition, vient de lui, il se baptise ainsi dans On m’appelle Spoutnik, récits d’une enfance dans le Nord (2011). Mais à voir ses livres, ce qu’il appelle ses enquêtes, il manifeste une passion du sud, des hommes du sud, et en remontant loin : Nos ancêtres du Midi, « enquête » sur la préhistoire, de Sigean à Menton (2005). Puisque la Terre est ronde, « enquête » sur l’incroyable aventure de Pythéas le Marseillais (2008) ; puis le roman Les Nuits blanches [emprunt à celles de Saint-Petersbourg, de Dostoïevski] de Pythéas le Marseillais (2016), prix Amphoux de l’Académie de Marseille et Une Femme culte, « enquête » sur l’histoire et les légendes de Marie Madeleine (2020). Antique Zététique (2021), sur le scepticisme grec, un art de penser, de douter, de vérifier les informations, un art certes d’hier mais dont on aurait bien besoin aujourd’hui où, sur les plus vicieux que sociaux réseaux, chacun, avec ou sans bagage culturel, ou intellectuel, s’estime détenteur de la vérité et en droit de parler de tout et de n’importe quoi avec une arrogante autorité, réfutant toute contradiction dans un monde où toute parole se vaut, de l’assertion, de l’affirmation, du dictat : de la dictature de l’opinion incontrôlée.

Effectivement, avec la prudence du chercheur et le croisement minutieux des sources du journaliste, il recueille et nous propose toutes les références et lointaines informations qui existent sur Pythéas, méthodique investigation reposant sur des questions et des témoignages antiques contradictoires, examen rigoureux d’un corpus de trente-six fragments de Pythéas traduits du grec ancien par Christian Boudignon, tout un pointillé textuel qui, comme dans les enquêtes policières le trait à la craie autour d’un cadavre disparu, en dessinent le contour donnant une paradoxale présence au corps évacué. De note en note, de point en point de référence, on dirait un portrait en pointillé. En ce sens, dans ce livre solide et séduisant, comme dans les autres livres d’Herbaux, il y a une enquête, quelque chose d’une énigme à résoudre. C’est pratiquement pour moi un « polar » polaire, qui dispense le même type de plaisir de lecture.

Constellation d’astronomes

Comme l’assassin revient, dit-on, sur la scène du crime, Herbaux, lui, revient à sa première enquête sur Pythéas, dont il traçait déjà les vagues contours dans le premier ouvrage qu’il lui consacrait, Puisque la Terre est ronde.

En effet, contrairement aux idées reçues, et contre les atterrants terreplanistes d’aujourd’hui, la sphéricité de la terre était connue des anciens Grecs : de leurs promontoires, pouvaient-ils ne pas remarquer que les bateaux disparaissaient par le bas et apparaissaient par le haut, comme semble le formaliser la figure canonique de la synecdoque de la partie pour le tout : une flotte de cent voiles, menace pointant progressivement l’horizon de leurs mâts, avant de s’avérer navires.

L’un des charmes de ce livre, pour moi, est l’éventail, l’archipel de ces noms de mathématiciens, d’astronomes, piqués sur toutes les îles et cités grecques posées comme papillons miraculeux de science sur cette lucide mer levant les yeux au ciel nocturne. Archipel, que dis-je ? myriade, constellation onomastique fleurant un exotisme ancien plein de réminiscences astronomiques, géographiques, philosophiques et poétiques qui n’avaient pas de compartiment étanche : Artémidore d’Éphèse, Géminos, Apollonios de Rhodes, Marcien d’Héraclée, Eudoxe de Cnide, Posidonius d’Apamée, Dicarque, Hipparque, Autolycos, Étienne de Byzance, Cosmas Indicopleustès, Martianus Capella, etc, sans compter les trop connus Aristote, Strabon, Hérodote, Ptolémée…

          Ératosthène de Cyrène, par un calcul géométrique, comparant sur un piquet de bois vertical, le gnomon, l’ombre du soleil à midi le jour du solstice d’été, en deux endroits, Syène (Assouan aujourd’hui) et Alexandrie, situées à une distance connue du Tropique du Cancer (ou le soleil vertical n’a pas d’ombre à midi), parvint à évaluer la circonférence exacte de la terre (environ 40 000 km), que notre science n’a pu que globalement confirmer.

          Pythéas le Massaliote

          Sans doute s’était-il servi des travaux de Pythéas le Massaliote qui, grâce à ce gnomon, avait calculé la latitude de Marseille, qui serait donc la première cité à avoir eu ce privilège permettant de la situer sur le méridien d’une terre dont on croyait qu’en la remontant vers le nord, par les grands fleuves débouchant dans la Mer Noire, on la pourrait contourner.

De son œuvre, contenus disparus, il ne reste que deux titres de livres : De l’océan, ouvrage astronomique à caractère scientifique, et Autour de la terre, histoire d’un périple. Une seule citation de lui nous est parvenue. Elle évoque un endroit situé au-delà du 62° nord, c’est-à-dire du côté des îles Féroé ou quelque part en Scandinavie :

« Les barbares nous montraient l’endroit où le soleil se repose ; car il arrivait dans ces régions que la nuit devenait très courte, tantôt de deux heures, tantôt de trois, de sorte que, très peu de temps après son coucher, le soleil se levait à nouveau. »

Soleil de minuit dont témoigne cet homme du soleil méridional, mais il est vrai aussi que les Grecs, dans leur culte de Phébus imaginaient que leur dieu avait aussi ses lieux de repos cycliques dans la région boréale. En tous les cas, dans cet indubitable savant reconnu même par ses détracteurs tardifs comme l’acide Strabon romain, montant vers le nord en une époque où Alexandre pousse vers le sud-est, peut-être dans un même élan d’expansion vers des limites, on imagine mal une simple motivation religieuse. On a invoqué, de plus mercantiles raisons à cette expédition, dont ne sait pas grand-chose de l’organisation sûrement nécessaire, une recherche de l’étain, de l’ambre.

De Pythéas, si l’on s’accorde à lui reconnaître ses qualités de géographe, de savant, qui reste sa sûre identité, nulle part, dans ces témoignages troués, on n’y fait allusion comme à un marchand. Le mystère demeure sur les circonstances et le tracé du voyage du Marseillais, mais une carte, illustrant le livre, peut en être dressée, avec les fluctuations inévitables des hypothèses sur les étapes, le tracé de sa navigation. Euthymènes, l’autre Massaliote, dont la statue du Palais de la Bourse est le pendant sculptural de notre Pythéas, navigateur et explorateur le précédant de quelque deux siècles, après de mythiques navigateurs carthaginois, aurait accompli, sinon une circumnavigation, une exploration des côtes africaines de l’Atlantique sud, intitulée Périple de la mer extérieure, le long des côtes africaines. Bien que très mal connu, cette expédition devait bien avoir un désir de découverte non dicté par une rentable nécessité matérielle immédiate.

Franchir des limites

Intérêt commercial de la cité, qui peut être aussi l’alibi concret du rêve dans un univers mental nourri de légendes sur les contrées d’autant plus fascinantes qu’inconnues : Hécatée et ses Hyperboréens, habitants de l’inhabitable contrée froide d’Aristote, en sont un exemple. Des chapitres, « L’île des gens heureux », « La dernière des terres », Thulé, Islande aujourd’hui, sont déjà les prémices des utopies qui accompagneront et poétiseront les Grandes Découvertes du XVI^e siècle que j’ai étudiées personnellement, entre chimère et cauchemar comme le « Poumon marin » entre possible glaciation d’horreur ou vaporeuse et gélatineuse entrée dans un autre univers. Une magnifique citation de Lucien de Samosate en épigraphe au chapitre 8, « La dernière des terres », extraite de ses Histoires vraies (en réalité des fictions de cet auteur du II^e siècle) exprime parfaitement, me semble-t-il, cet irrépressible sentiment humain, de vouloir franchir les infranchissables horizons toujours fuyants à l’insatiable poursuite des hommes curieux. Herbaux imagine le narrateur Lucien en Pythéas franchissant « les Colonnes d’Hercule », verrou de la Méditerranée à l’Atlantique « faisant voile vers l’océan du Ponant ». Ce que j’en retiens, c’est sa claire motivation :

« La cause et l’objet de mon voyage étaient la curiosité de mon esprit, le désir de voir des choses nouvelles, la volonté d’apprendre quelle est l’extrémité de l’océan et quels peuples habitent au-delà. »

Peut-être la réputée inatteignable Ultima Thule et ces « choses nouvelles » étaient-elle trop nouvelles et ces trop lointaines contrées inaccessibles pour être crédibles à l’esprit des voyageurs immobiles, critiques acerbes de Pythéas comme Strabon, le traitant d’affabulateur, d’auteur, dirais-je, de galéjades marseillaises anticipées. Mais c’est ce même désir que je retrouve, entre rêve et réalisme chez les explorateurs espagnols et portugais que j’ai étudiés. Ainsi Camõens (1520-1580), prêtant dans ses Luisiades, sa voix à Vasco de Gama qui, le premier, doubla Le Cap des Tempêtes des Anciens, devenu, franchi, vaincu, Cap de Bonne Espérance vers les Indes :

Ainsi, tout doucement, nous ouvrîmes des mers

Que nul homme vivant n’avait jamais ouvertes,

Voyant des îles neuves avec de nouveaux airs,

Qu’Henri le généreux nous avait découvertes.[1] ^[37]

Si la route maritime des Indes ouvrit la voie au Portugal vers les richesses des Indes, Henri le Navigateur était un roi savant avide d’horizons plus que de lucre.

Séparant l’Afrique de l’Espagne, Hercule le Grec ou un postérieur traducteur y aurait écrit —en latin— Nec plus ultra, ‘Rien au-delà’. De hardis navigateurs, des esprits aventureux n’auront de cesse que de franchir ce qui semblait un tabou et les Temps Modernes des découvertes, et en tout domaine, comme je l’ai montré, qu’il serait trop long de répéter, me semblent caractérisés justement par ce désir, parfois sacrilège, de dépasser des limites, d’enfreindre en frissonnant des interdits, d’aller toujours au-delà. Charles Quint, qui régnait sur un empire où le soleil ne se couchait jamais, ornera les deux colonnes de son blason d’un « Plus ultra » et le philosophe Bacon, un siècle après, en fit la sienne dans les savoirs humains.

Il faut imaginer, entre rêve et contrainte du réel, les navigateurs espagnols ayant découvert à Panama le Pacifique, parcourir toute la côte de l’Amérique, du nord au sud, entrant inlassablement dans le moindre golfe creux, dans le moindre estuaire de fleuve laissant espérer un passage entre les deux océans, en goûtant l’eau douce en l’espérant salée, avec la déception du Saint-Laurent, passage espéré du nord-ouest : « Aca nada », ‘Ici, rien’, donnant nom au pays Canada selon des légendes. Et, après la découverte à l’extrême sud du continent du détroit providentiel par Magellan, il faut se les figurer cherchant les vents, remontant les côtes américaines à la recherche du passage du nord-est d’un océan à l’autre par ce mythique et mirifique détroit d’Anian, le longiligne golfe de Californie dont on espérait au bout la communication, par l’ouest du Pacifique, avec le Saint Laurent et son golfe de l’est atlantique…

Et découvrant toujours des îles, et avec la terreur de la prophétie que découvrir « la dernière des terres » serait la fin du monde. Cauchemar et rêve ont toujours nourri la science, fait avancer l’homme, exorcisant l’un pour faire advenir l’autre. Comme cette ultime Thulé ou Tile et sa polaire étoile. Qui depuis l’Antiquité n’a cessé de briller aux confins de la légende et de la réalité inaccessible.

Dans la tragédie historique de Cervantes El cerco de Numancia (1585), Le siège de Numance (- 134 – 133 av. J-C), ville ibère alliée aux Carthaginois, dont tous les habitants se sont suicidés plutôt que de se rendre aux assiégeants romains, le dernier vivant, un petit garçon, défiant Scipion qui veut au moins un survivant, pour son triomphe à Rome, préfère se jeter de la tour et se tue. Dernière scène, « La Renommée » proclame alors sa gloire d’un pôle à l’autre : « de Batria a Tile » ou Thule, Ultima Thule, résonant aussi depuis Sénèque, métaphore et hyperbole de l’extrême lointain d’un monde sans mesure.

Passage du nord-ouest et Ultima Thule

          Comme aujourd’hui le commerce mondial, freiné ou paralysé par la crise en Mer Rouge et la vulnérabilité du Canal de Suez, espère du réchauffement climatique et de la fonte des glaces polaires un passage du nord-est entre l’Asie et l’Europe (espoir plombé par la crise russo-ukrainienne, les détroits étant russes), au cours et au tournant des XVI^e-XVII^e siècles, tout en en poursuivant l’exploration, c’est l’exploitation des nouveaux mondes qui active la recherche d’un économique passage du nord-ouest vers l’Asie.

Documenté en géographie, Rabelais, dans son Quart Livre (1552), fait naviguer son héros Pantagruel vers la Chine, non par la route torride des Espagnols, mais par les glaces du nord. Mais il appartient à Cervantes, inventeur du Chevalier errant rêvant de pays imaginaires, fils de ce peuple espagnol itinérant aux quatre points cardinaux, de concrétiser en fiction la nouvelle sensibilité géographique, aux horizons éclatés à l’image nouvelle du monde. Avec le moule revendiqué de ce qu’on appelle anachroniquement « roman » grec des I au III siècles de notre ère, tels Chéréas et Callirhoé de Chariton d’Aphrodise, l’Histoire de Leucippé et Clitophon d’Achille Tatius d’Alexandrie, Les amours de Théagène et Chariclée d’Héliodore d’Émèse, histoires d’amour et d’aventures qui deviennent le modèle du roman baroque, Cervantes écrit Los trabajos de Persiles y Sigismunda, dont la publication en 1617 est posthume.

Il y conte les amours et aventures de Persille, prince de Thulé, et de Sigismonde, fille du roi de de Frislandia, île mythique. Pour les Espagnols sans doute lassés des prodiges et merveilles d’outre-mer, Cervantes invente un exotisme nordique et, avec ces deux héros, promène le lecteur dans des féériques ou maléfiques contrées, nimbées de la brume des rêves, des neiges de la pureté, des glaces de l’effroi, dans une errance du nord au sud de l’Europe, avec comme terminus finalement dirait-on, l’inévitable Ultima Thule.

Dans l’avant-dernier chapitre (XIII), il cite la mention de Virgile sur Thule dans les Georgiques (I, 30) mais précise avec les nouvelles connaissances :

« l’île de Tile o Tule, qu’on appelle aujourd’hui vulgairement l’Islande, était la dernière de ces mers septentrionales ; car un peu avant, il y a une autre île […] appelés Frislandia, que le Vénitien Nicolas Temo [sans doute erreur pour les frères Zeno] découvrit en 1380, aussi grande que la Sicile […] il y a aussi une île puissante, presque toujours couverte de neige, qu’on appelle Groenlandia ».

Île étrange en vérité, héritée des affabulations des lettres des frères Nicolò et Antonio Zeno publiées et portées sur la carte, le portulan de leur neveu Nicolò près d’un siècle plus tard, en 1558. En effet, on y trouve un monastère avec des moines enseignant le français, l’espagnol, le latin et le toscan, une fontaine d’eau chaude (qui ferait penser à l’Islande), qui facilite une pêche abondante, une source de goudron qui se solidifie tel du marbre dont on fabrique des maisons.

Voilà donc les réflexions complémentaires que m’inspire cet élégant petit volume maniable de 240 pages, imprimé clairement, doté d’une riche bibliographie, d’un index commode. Comme universitaire, j’en salue la savante simplicité, la précise érudition et, comme écrivain, j’en goûte l’élégante clarté.

Benito Pelegrín

Table des matières

Avant-propos

PREMIÈRE PARTIE
Les sources antiques
1. Le jour le plus long
2. L’ombre du gnomon
3. Quelque part en Grande- Bretagne
4. Pythéas entre les lignes

DEUXIÈME PARTIE
Visions du Grand Nord
5. Au- delà du grand mur
6. L’île des gens heureux
7. Thulé à vue de ne
8. La dernière des terres

TROISIÈME PARTIE
Postérité de Pythéas
9. Je ne sais quel Pythéas
10. Pythéas, le retour
11. Les aventures de Pythéas le Gaulois

QUATRIÈME PARTIE
Le dossier Pythéas
12. Pythéas a- t-il vraiment existé ?
13. Le poumon marin
14. Le dernier mot ?
15. Contes et légendes de Pythéas
Pythéas le Marseillais – Les fragments
Postface

Les lieux explorés par Pythéas (carte)
Principales éditions des fragments de Pythéas
Bibliographie
Index

 

Site François Herbaux : http://www.francoisherbaux.fr/ ^[38]

 

 

 

[1] ^[39] Benito Pelegrín, Figurations de l’infini, Première Partie, Les routes du monde, 3. L’espace poétique de la géographie. Le Seuil, 2000, p. 111.

Jusqu’au 14 avril 2024 se tient la 34ème édition des rencontres de cinéma de Salon de Provence présidées par Patricia Flori. Devenu l’un des rendez-vous majeurs du cinéma indépendant et de découverte, l’événement revient une nouvelle fois investir la cité salonaise à l’occasion de 10 jours de projections, débats et rencontres autour du septième art.

Cette année, le festival place la jeunesse sous le feu des projecteurs à travers une sélection de 60 films mettant en lumière la nouvelle génération de réalisateurs émergeants. Au programme, plus d’une trentaine de premiers longs-métrages seront présentés, dont 17 en avant-première nationale. Le public pourra également découvrir 7 documentaires abordant des sujets d’actualité brûlante.

Parmi les pépites à ne pas manquer, citons les films « Sweet As », « Lost Country » ou « Banel et Adama », explorant avec sensibilité les questionnements identitaires et sociétaux de la jeunesse contemporaine. 165 projections sont organisées au CinéPlanet, avec une ouverture les yeux grands ouverts sur 40 pays et territoires. En marge des projections, le festival met sur pied conférences, tables rondes et rencontres avec les réalisateurs invités, pour approfondir les thématiques abordées. Un volet est également consacré au jeune public, avec des séances scolaires et familiales.

Autre temps fort, la cérémonie de clôture récompensera les meilleurs talents découverts durant l’événement, avec la remise de 4 prix dont le très couru « Prix du Premier Film » et le « Prix des collégiens et lycéens ». Une 34ème édition placée sous le signe de la découverte et des échanges, pour faire vivre l’effervescence du cinéma sous toutes ses coutures.

Rencontre avec la présidente des rencontres de cinéma de Salon de Provence, Patricia Flori

Diane Vandermolina : Cette année, vous proposez la 34e édition des rencontres. Vous attirez plus de 12000 spectateurs par an. Comment expliquez-vous cet engouement pour le festival ?

Patricia Flori : On a attiré 12 300 spectateurs l’année dernière, avec une vraie progression depuis 2013/2014. Avant on était à 9 000 spectateurs, et depuis on a progressé : je crois que cette progression est due à ce qu’on veut absolument que ce festival soit un festival du territoire et on tisse de nombreux liens avec les établissements scolaires, de la maternelle à l’école de l’air, mais aussi avec les associations locales pour accompagner nos films. Cela devient un rendez-vous qui irradie et nourrit vraiment le territoire, et je crois qu’on doit cette fréquentation aussi au Ciné-Planète, un multiplexe vraiment splendide de centre-ville, ce qui est une position avantageuse pour Salon et nos festivaliers, mais également parce qu’on développe des liens avec des associations sportives, sociales, culturelles des autres festivals pour venir nourrir notre propre festival.

DVDM : En effet, il y a beaucoup de festivals de cinéma dans la région PACA. Il n’est pas forcément évident de trouver un angle d’attaque qui permette d’attirer le public et cette année, vous avez choisi la thématique de la jeunesse.

PF : La jeunesse, oui. Bien sûr, c’est toujours la découverte du monde, parce qu’on jette des passerelles vers les autres peuples et on parcourt le monde, il y a toujours cet angle fort, mais on s’est dit que cette jeunesse était vraiment enthousiasmante, passionnante et engagée. Elle est souvent décriée, et pourtant, on a trouvé que regarder le monde, au travers de son prisme, c’était très fécond. On avait envie de rendre hommage à ces jeunes qui sont des promesses d’avenir. La jeunesse nous est parue cette année comme une évidence, d’autant plus qu’on fait un gros travail sur l’éducation à l’image avec les scolaires. Cette année, pour la première fois avec le CFA, on est sur un échange, ils préparent notre petite pâtisserie pour notre ouverture et les profs de français ont entraîné des classes sur ce cinéma, parce que ces jeunes, si on ne leur présente pas la salle de spectacle, le cinéma, ils y vont très peu, ils regardent tout sur leur portable, donc il y a un véritable enjeu que d’attirer ce jeune public dès la maternelle et aussi les adolescents dans les salles obscures. Ça nous a paru une évidence et ça collait bien à l’ADN de notre festival. Enfin, on a un groupe jeune qui nous aide pendant tout le festival, avec lequel on fabrique la programmation, et qui est constitué d’élèves de l’option ciné du lycée Craponne et de bénéficiaires de la mission locale.

DVDM : Ceux sont ces  jeunes qui font partie du jury du prix des lycéens ?

PF : On doit être à 1900 lycéens et collégiens, ce sont eux qui votent, mais notre groupe jeune a la priorité s’il y a deux films avec autant de suffrages : ce sont à eux d’argumenter sur leur choix du prix des lycéens. Cette année, on a 19 jeunes qui viennent du lycée Craponne : on fait un emploi du temps avec les professeurs et, au lieu d’aller en cours, ils viennent au festival pour nous aider, accueillir les invités, tenir des permanences, voir si tout se déroule bien, aller dans les salles, et voir des films évidemment. Et puis après, ils se réunissent et ils voient entre eux quel est le film qui va être le prix des lycéens.

DVDM : La programmation est assez dense, il y a plus de 160 de projections pour 60 films.

PF : On n’arrive pas toujours à se décider mais il nous faut trouver une colonne vertébrale, un équilibre. L’intérêt de décider de la programmation à 38, même si c’est une performance, c’est qu’on a vraiment une palette de films, de sensibilités, d’émotions, et ça nous permet, et c’est peut-être la raison du succès ces dernières années, d’attirer un public plus large. On propose – à côté de nos pépites ciné –  des films d’extrême qualité, où l’émotion prime mais qui sont un petit peu, plus grand public. Le travail des bénévoles est fondamental pour qu’on ait cette palette et je crois que ça participe aussi à l’attractivité du festival. C’est important de proposer des films qui sont peut-être un peu plus complexes de prime abord et en même temps des films plus grand public pour attirer ceux qui ont peur de l’art et essai, parce que l’art et essai n’est pas dans les habitudes du quotidien et pêche par cette image « élitiste », pourtant c’est un cinéma qui donne du sens aux émotions. Mais les personnes qui ne vont pas souvent au cinéma, vu le prix de la place, vont aller vers des valeurs sûres, ils ne vont pas s’essayer à un petit film juste parce que le synopsis leur plaît. Les festivals, c’est l’occasion de le rendre accessible au plus grand nombre puisque les places sont de 4 euros à 6 euros et demi. C’est un effort dans un multiplexe. Je pense que le prix permet à des gens de se dire : « tiens, l’année dernière j’ai vu ce film-là, c’était une jolie comédie ou un beau film d’amour ». Par exemple, l’année dernière, le choix du public était entre Les Repentis et Le Bleu du Caftan. Le public, au fur et à mesure des festivals, je crois, s’est aguerri et va vers des films un petit peu plus complexes. Mais il faut qu’il passe par une porte où un film va les emporter, les toucher. C’est avant tout par l’émotion qu’on arrive à poser des sujets de société et des réflexions, parce qu’on est aussi un festival, engagé, militant, et on le revendique. On a des petites pépites, comme La mer et ses vagues, To the North, Green Border. Mais à côté, on a aussi Vampire humaniste cherche suicidaire consentant, Six pieds sur terre.

DVDM : Les films que vous projetez viennent de tous les pays du monde.

PF : On est vraiment très attentifs à aller sur tous les continents. Ceux qui sont les plus chers, malheureusement, ce sont les films australiens, néo-zélandais, parce qu’ils n’ont pas de distributeurs. Et pourtant, je trouve que ce sont des films d’une beauté incroyable, avec leurs paysages, mais aussi par les sujets traités. Cette année, on n’en a pu en prendre qu’un. Mais on tient vraiment à chercher des films de Mongolie, du Kosovo, de la production africaine. Ce n’est pas si facile de trouver des films africains de qualité, il n’y a pas beaucoup d’argent, et là, on en a trois qui sont vraiment des longs métrages. Parmi eux, on projette Banel et Adama, un film d’amour et de liberté et Goodbye Julia, un film politique. C’est également pour cette raison qu’on met du temps à se décider sur notre programmation. On y travaille de septembre à décembre et il nous faut trouver aussi les distributeurs, ce n’est pas toujours évident. C’est une grosse organisation parce qu’on cherche aussi les sponsors, on fait les demandes de subventions. On écrit les textes dans les plaquettes. Et des clients. Et on organise nos soirées, parce qu’on fait aussi des soirées partenariales. On propose des ateliers gratuits d’éloquence, de calligraphie persane. On a une expo photo car on aime bien mêler les arts. Cette année, comme le directeur de la photographie, Jon Marquez, vient ; il nous a confié un cliché. On a choisi son cliché pour l’affiche. Et on a reproduit neuf de ses autres clichés pour faire une mini expo dans notre espace. On essaye d’investir tout le cinéma et on a créé un petit espace de rencontres ciné, où les gens peuvent s’asseoir sur les canapés, prendre un café, un thé et regarder cette exposition. Et c’est là où on vote et c’est super d’avoir ce hall. Depuis l’année dernière, on a mis une moquette, on met des tables, des canapés, des petites cafetières pour qu’il y ait aussi cette ambiance festival. Autrement, les cinémas, ce ne sont que des lieux de circulation. Pour cela, on a osé, parce que les salles commerciales ne peuvent pas se le permettre,  insérer dans notre programmation sept documentaires. Et là aussi, c’est un boulot phénoménal d’attirer le public concerné. Par exemple, sur Etat limite, un documentaire qui est passé sur Arte, mais qui a peu été vu, le réalisateur, Nicolas Peduzzi, sera présent : dans son documentaire, il suit un jeune psychiatre. On voit bien qu’il va droit dans le mur. Mais on voit aussi que c’est tout l’hôpital qui va au mur derrière ce personnage. Pour ce docu, on s’est adressé à la communauté médicale pour qu’ils viennent, pour qu’ils apportent leur contribution au débat. Autant des médecins de l’hôpital public que des psychiatres. Mais il nous semble que le documentaire, c’est vraiment un genre peu couru par les festivaliers. Et pourtant, c’est du cinéma. Parce qu’il y a un vrai scénario comme dans Les filles d’Olfa. Ce sont des longs-métrages, non pas de fiction, mais avec une construction narrative. Et on a aussi Little blue girl de Mona Achache, entre réalité et fiction.

DVDM : Les salles peuvent difficilement se permettre de projeter des documentaires et à part le FID à Marseille, le Festival international du documentaire, c’est rare de voir des documentaires au cinéma.

PF : Oui, sauf dans les cinémas municipaux. Parce qu’à Miramas, Istres, Vitrolles, Martigues, ce sont des cinémas municipaux. Ils peuvent se permettre d’avoir de chouettes programmations. Mais on ne trouve pas ça dans les grands cinémas. Car ça ne rencontre pas l’économie de la salle de ciné. Le gérant doit, bien évidemment, avoir une rentabilité. Parfois, il se permet quelques petites projections de films un peu plus fragiles. Mais c’est difficile.

DVDM : Pour en revenir aux thématiques, il est question d’identité, d’appartenance, de la place du citoyen dans le monde. Ce sont donc des thématiques qui vous ont marquées et que vous continuez à mettre en avant dans les films que vous choisissez.

PF : On creuse notre sillon pour éclairer sur le monde comme il va et essayer d’être aux côtés de ces femmes et de ces hommes qui combattent pour la liberté, la justice, la sororité. Et si on peut apporter cette contribution avec le cinéma, si le cinéma peut déconstruire les préjugés, si notre festival y contribue, c’est gagné. C’est l’ADN de notre festival. Il nous semble très intéressant de regarder le monde ensemble et essayer d’y réfléchir, de se nourrir des associations comme cette année, SOS Méditerranée et Welcome Salon qui présentent Io Capitano, ou avec des films comme Green Border ou To The North. On projette Débâcle, un premier film belge assez rude, sur les violences faites aux femmes où une jeune fille n’a pas rencontré les aides pour se sortir d’un viol perpétré dans l’enfance. Apers 13, association d’aide aux victimes, et l’Enfant Bleu Paca, m’ont demandé de tenir un stand et accompagner ce film. Il y a des films qui ont besoin d’être accompagnés pour engager un débat avec le public lors de sa projection. La culture est un outil incontournable pour mieux vivre ensemble, pour mieux se comprendre, pour faire appel à notre humanité, ouvrir les yeux. D’où notre travail avec les centres sociaux, les écoles, les lycées.

DVDM : Cela permet de les sensibiliser à certaines questions assez complexes comme celles des violences faites aux femmes, le viol ou les VHSS. Et les préjugés sont très nombreux, malheureusement.

PF : Absolument. Il y a énormément de stéréotypes qui sont dans les esprits de chacun. Et les déconstruire, cela demande un certain travail. Il y a besoin d’un accompagnement par des structures plus aptes à discuter, à sensibiliser sur ces questions-là. C’est pour ça qu’on fait appel à des conférenciers spécialistes pour les premiers films ou les films asiatiques. On a un ancien professeur d’histoire qui nous remet le contexte à chaque fois quand il accompagne un film. L’année dernière, il avait accompagné les Repentis sur le problème basque.  C’est essentiel d’avoir cet éclairage pour les gens qui rentrent dans un film et pour qu’ils comprennent tout. Il y a un film bosniaque, Excursion, qui est aussi sur le harcèlement. On a cherché, à travers la jeunesse, à traiter de ces problématiques-là.

DVDM : D’autant plus que la lutte contre les inégalités, les discriminations, le harcèlement et les violences sexistes est une priorité de l’Union Européenne aujourd’hui.

PF : Oui, il y a l’Espagne, qui, sur les violences faites aux femmes, a eu de depuis des années très bons résultats avec les politiques menées par les différents gouvernements socialistes alors qu’en France, on a toujours ces mêmes chiffres aberrants mais je pense que cela vient fondamentalement de l’éducation. C’est pour cette raison qu’on espère que de nombreux lycéens et collégiens viennent voir le genre de films comme Frémont sur les réfugiés On accompagne particulièrement ces films qui traitent des problèmes de réfugiés et de frontières pour essayer de déconstruire les mauvaises images ou les fantasmes d’invasion auxquels peut être sensible basiquement un adolescent. On essaye également de passer par des films pleins d’amour ou de poésie, voire des comédies. La comédie Six pieds sur terre parle de religion, d’identité, de rapport au père, entre un père et son fils, mais sur un mode humoristique. Pour Vincent doit mourir, on reçoit Karim Leklou. Stéphan Castang, le réalisateur, a revisité le film de genre de zombie mais c’est une romance d’amour aussi, et il parle de la violence dans nos sociétés.

DVDM : Et vous projetez aussi des films comme Césaria Évora, La diva aux pieds nus.

PF : Oui,  le deuxième vendredi, c’est toujours un documentaire musical. Et on l’accompagne généralement, soit d’un petit groupe du Portail Coucou, qui nous raconte, comme l’année dernière, la vie de David Bowie en musique. Cette année, un groupe de l’Institut musical de formation professionnelle va produire un petit intermède à 7 musiciens sur la musique de Césaria Évora. On projette ce documentaire, qui n’est pas qu’un documentaire musical, bien évidemment, car c’est un portrait de femme, et en creux, me semble-t-il, il parle des conséquences de la colonisation sur les pays africains. C’est un joli moment pour nous.

DVDM : Comment voyez-vous l’avenir du festival, son évolution ? Est-ce qu’il y aura un élargissement au niveau du territoire ou du public ?

PF : Au niveau du territoire, ça nous paraît difficile, même si on a des demandes, parce que nous ne sommes que des bénévoles. Il n’y a aucun salarié dans notre association. Après, concernant son évolution, je pense que c’est plutôt ce dont on s’est rendu compte. Généralement, quand, avant la Covid, on allait à Cannes, on pouvait grandement faire notre marché. C’est-à-dire que les films ne sortaient pas si vite, et on pouvait proposer des inédits, beaucoup d’avant-premières, etc. Mais là, les distributeurs se mènent une guerre sans nom. Et les films sortent très rapidement. L’année prochaine, ce sera les 35 ans. Comme on commence à avoir des distributeurs maintenant qui nous appellent en septembre pour nous dire, on va avoir tel film, on vous envoie les liens, etc. Peut-être, pour les 35 ans, faire un focus sur un réalisateur, une réalisatrice… J’aimerais faire un focus sur un artiste qui nous a particulièrement émus, ou dont on a passé beaucoup de films dans les précédentes programmations. Enfin, notre but, c’est aller chercher les publics empêchés. C’est à la fois l’ouverture sur des films un tout petit peu plus grand public, pour attirer les personnes qui se disent « ce n’est pas pour moi », mais aussi les éduquer en disant « Oui, c’est pour vous, parce que c’est juste de l’émotion »… Chercher les publics empêchés pour que cette culture soit accessible à tous. C’est important.

DVDM : Vous parliez des distributeurs qui maintenant distribuent les films très rapidement, il y a aussi la concurrence de Netflix, le développement de toutes les plateformes de streaming.

PF : Et notamment les prises d’habitude pendant la COVID. Les études montrent qu’il y a des tranches d’âge qui ont déserté les salles de cinéma. Pour remédier à cela, on fait de l’éducation à l’image à l’attention de ces jeunes, pour qu’ils prennent plaisir à venir dans un cinéma, et sur ces publics empêchés aussi… Après, pour ceux qui préfèrent rester sur leur canapé, c’est difficile de leur dire « mais non, il vaut mieux partager une émotion avec un inconnu dans une salle ». Pour faciliter la rencontre, on met des food trucks sur la place. On a des bancs et des tables pour que les personnes viennent s’asseoir et discuter, partager ce qu’ils pensent du cinéma. Et c’est bien l’échange le plus important. Mais la multiplication des plateformes n’aide pas. Elles ne sont pas inintéressantes : sur Netflix, il y a des films, comme Rome ou Lost Doctor, de qualité, sans parler des séries. Je suis fan de séries et je peux me régaler. Mais, je voudrais peut-être que le monde du cinéma s’interroge sur le prix des places. Cela devient vite très cher pour une famille de 4 personnes d’aller au cinéma. C’est un frein majeur.

Sachant que le prix des places n’excède par les 6 € 50, c’est le moment de découvrir une pléiade de pépites cinématographiques à Salon de Provence. Avec la diversité des genres proposés et la qualité des réalisations, chacun y trouvera son bonheur. Ne boudez pas votre plaisir. DVDM

Photo de Une: Dissidente – Credits DR

Tout le programme https://www.rencontres-cinesalon.org/ ^[45]

Ou en cliquant sur ce lien  Programmation Rencontres Cinématographiques de Salon-de-Provence 2024 ^[46]

Tel Ulysse de retour à Ithaque après un long périple, Musical Bounce Back revient à Marseille après un parcours de 3 ans dans plusieurs pays européens : Chypre, Arménie, Grèce et Portugal. Nathalie Négro nous dévoile les contours de cette étape finale d’un projet au long cours qui a démarré à Marseille et dont la mise en bouche était une conférence sur les compositrices oubliées. L’occasion de rappeler que malgré la mise en place de lois en faveur de la parité, en Musique, les femmes restent encore très minoritaires, notamment en termes de composition et de direction.

La directrice de Piano and Co, fervente défenderesse du matrimoine musical, développe en préambule les raisons de ce projet. « Les compositrices ont été effacées de l’histoire au fur et à mesure que l’histoire de la musique s’est écrite. Elles ont disparu, elles se sont évaporées et nous tentons de les réhabiliter, les réintégrer et les faire ressurgir de l’histoire. Je pense qu’il faut vraiment travailler là-dessus avec les jeunes. Mobiliser les jeunes, leur faire prendre conscience de cette invisibilité. C’est un sujet très important qui me tient énormément à cœur. Et Musical Bounce Back a pour objectif de mettre en avant ce matrimoine musical passé et présent que je défens depuis toujours. Dans chaque pays visité, on a rencontré des compositrices, découvert de nouvelles et redécouvert certaines que nous connaissions. »

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Interview

Diane Vandermolina : Vous faites appel à deux compositrices contemporaines pour les concerts de clôture du projet.

Nathalie Négro : Oui, la première, Eve Risser a composé pour la trentaine de musiciens qui participent au projet. Eve est à la frontière de différentes esthétiques : c’est très important parce qu’elle travaille entre le jazz, la musique contemporaine, classique et traditionnelle. Elle prend en compte dans son écriture musicale l’héritage de musique traditionnelle des jeunes musiciens du projet. Il y a un mixte entre ce qui est contemporain et traditionnel dans sa composition pour orchestre. Et le fait que les jeunes musiciens viennent de 5 pays différents permet d’avoir un mélange intéressant. Elle a travaillé du début jusqu’à la fin du projet avec eux. Eve nous a suivis dans tous les déplacements pour travailler avec les jeunes de chaque pays et elle écrit véritablement pour eux. C’est une oeuvre pour orchestre et bien sûr il y a un côté plus écrit que dans le jazz mais elle garde dans sa composition cet esprit jazz et l’héritage traditionnel en les mêlant avec l’écriture d’aujourd’hui.

DVDM : Vous avez également fait appel à une autre compositrice d’origine grecque, Esthir Lémi

NN : Oui, c’est une compositrice d’électro-acoustique et elle a écrit une pièce pour harpe, piano et marimba. Il y a trois musiciens du projet européen qui vont interpréter sa pièce. Elle travaille des partitions graphiques car elle est plasticienne et musicienne et sa création est une bande électro-acoustique : elle s’appelle Calculi Mediterranei.

DVDM : A ce propos, pour ce projet, vous avez travaillé avec le LICA, le laboratoire d’intelligence collective artificielle.

NN : Oui, ça fait de longues années qu’on travaille ensemble. Ils ont été surtout présents pour le site web qu’on va créer pour que les jeunes puissent avoir accès à toutes les ressources qu’on a accumulées pendant trois ans. Ils étaient là aussi pour faire toutes les animations d’atelier et je trouvais ça pertinent de voir comment les nouvelles technologies peuvent s’intégrer au niveau de la création, de la recherche musicale et de la transmission. C’est une collaboration très fructueuse qu’on développe avec eux depuis plusieurs années.

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DVDM : Parlez-nous du programme des 3 soirées.

NN : Le jeudi, il y a la projection d’un film sur les pionnières de l’électro-acoustique avec la voix de Laurie Anderson qui retrace tout ce qui s’est passé en électro acoustique depuis le début du 20^ème siècle et après, il y a quatre compositrices qui seront jouées. C’est une soirée électro-acoustique. L’ L’électronique étant surtout un domaine masculin, il nous a paru intéressant de faire un focus sur les compositrices. Puis vendredi soir, il y a une première partie avec des compositrices qu’on a rencontrées depuis le début du projet, des compositrices des cinq pays et les musiciens vont jouer, non pas en orchestre pour cette première partie, mais en duo, en trio, en quatuor. La deuxième partie, c’est la création d’Eve Risser où tous les musiciens vont se retrouver. Le samedi est une journée intense, il va y avoir une belle table ronde. Parce qu’à Piano & Co, on fait des mélanges d’esthétiques, il y aura une jeune rappeuse, Amalia, il y aura une chanteuse de jazz, Macha Gharibian, Eve Risser et une autrice qui a écrit un livre qui s’appelle Les femmes musiciennes sont dangereuses. Cette table ronde est animée par un homme spécialiste de cette question d’égalité des femmes. Puis, la réalisatrice, Anne Alix qui a fait un documentaire sur tout le projet, va en montrer quelques extraits et il y aura une rencontre avec elle. Le soir, il y aura le deuxième concert avec une première partie avec des compositrices qu’on a rencontrées au fil du projet et la deuxième mondiale d’Eve Risser, on rejoue la pièce qui aura été créée la veille. C’est très dense.

DVDM : Comment avez-vous rencontré ces compositrices ?

NN : Ce sont les pays qui nous ont proposé des femmes : on ne les connaissait pas, parfois elles ne sont même pas éditées, et il a vraiment fallu aller faire des recherches pour les découvrir et dans chaque pays, ça a été une vraie découverte des compositrices : c’est ce qui a motivé toute la démarche, la recherche car on est sur la valorisation du répertoire, sur le matrimoine musical. On a imaginé un kit pédagogique, une sorte de guide d’emploi. Comment peut-on changer les habitudes dans les conservatoires, dans les écoles de musique ? Comment peut-on faire pour valoriser les femmes compositrices, les cheffes d’orchestre et changer la donne pour que ce ne soient pas toujours les garçons qui jouent de la trompette et la fille à la harpe, changer les habitudes etc…. ? C’est aussi ce qu’on a essayé de faire avec notre groupe de jeunes, on est à peu près 50-50 de garçons-filles avec une fille à la trompette.

DVDM : Non seulement il y a eu une recherche mais aussi une mise en pratique effective. Par ailleurs, le projet a reçu le label “ONU Femmes France / Génération Égalité”, en 2023 pour tout le travail mené.

NN : C’est une belle reconnaissance au niveau du travail et de notre engagement aussi d’autant plus que des projets comme ça, d’aussi grosse envergure avec 5 pays différents, c’est assez compliqué à mettre en place. Piano & Po est leader de ces projets et c’est très compliqué, surtout quand on touche des pays de différents endroits comme la Grèce, le Portugal, l’Arménie qui sont assez éloignés les uns des autres. C’est cependant intéressant de voir comment, par exemple l’Arménie pense le matrimoine…

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DVDM : Quel est l’impact de ce projet sur les enseignants avec lesquels vous avez travaillé ?

NN : La plupart des enseignants ne s’étaient pas vraiment posé la question, et ça a un peu réveillé les consciences. Et pour cela sur le site web, on trouvera des interviews de compositrices, des micros trottoirs, des enquêtes, des captations des conférences….On veut qu’il soit le reflet du travail de réflexion mais aussi du travail sur le terrain qui a été mené. Pour finir, le kit pédagogique, la boîte à outils, va permettre à d’autres conservatoires de réfléchir sur ces questions, voire utiliser ces outils qu’on a développés et les intégrer au sein de leur conservatoire : par exemple en imposant de jouer des compositrices dans les concours de fin d’année pour les instrumentistes afin de permettre aux jeunes d’avoir des modèles. Par exemple, il n’y a pas beaucoup de cheffes d’orchestre femmes et c’est difficile de s’imposer en tant que femme. Depuis 2020, il y a un concours de femmes cheffes d’orchestre mais il y a beaucoup de travail à faire. On a seulement mis un doigt dans l’engrenage.

DVDM : Avez-vous de nouveaux projets à venir ?

NN : Oui, je suis déjà en train de réfléchir sur le prochain projet, et comme on commence à avoir une expérience de cette thématique, on a les outils, on a les ressources, on a déposé un projet européen Europe Créative, et non Erasmus + comme celui qu’on présente à Marseille. C’est toujours enrichissant d’aller se confronter aux autres cultures. On va avoir des pays des Balkans et peut-être du Nord, pour confronter ces cultures qui sont peut-être un peu moins sur le patriarcat que celles du Sud.

DVDM : Et maintenant, vous êtes non seulement Présidente de la Cité de la Musique, mais en plus membre du CA de la Casa Velázquez.

NN : C’est une reconnaissance de travail, de la qualité aussi. Ça permet de mettre des femmes dans des sphères de direction. C’est important parce que qu’il n’y en a pas beaucoup. Mais, aujourd’hui, on commence à avoir des oreilles et des yeux attentifs.

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DVDM : Est-ce qu’il y a, par exemple, une petite anecdote qui a été dans cette aventure-là marquante pour vous ?

NN : Il y a eu une anecdote. C’est que pendant notre déplacement en Arménie, je racontais aux jeunes Arméniens mon parcours. Je leur racontais qu’on m’avait dit quand j’ai passé un concours de piano, bravo, tu as un beau jeu masculin. À 14 ans, on m’avait dit ça. Et il y a une jeune fille arménienne, une jeune pianiste qui m’a dit, écoute, on m’a dit la même chose cette année. Donc, après tant d’années – elle peut être ma petite-fille- on lui a dit la même chose. Ce qui est complètement ridicule de dire qu’il y a un jeu masculin ou un jeu féminin. Je défie quiconque de reconnaître sur un même morceau de musique, si c’est un garçon ou une fille qui joue, c’est impossible. Et ils le disent aussi des cheffes d’orchestre femmes, de leur façon masculine de diriger. C’est quand même assez terrible. Mais, allez, on va dire que ça bouge un tout petit peu.

DVDM : En comparaison avec les compositrices anciennes ?

NN : Oui, Clara Schumann et Fanny Mendelssohn ont écrit beaucoup d’œuvres. Pourtant, Fanny a été interdite par son frère et surtout par son père. Mais il reste quand même quelques partitions. On peut avoir un petit doute, puisque son frère s’appelait Félix et elle s’appelait Fanny. Et quand il y a une partition, il y a un F. On a un doute si c’est Fanny ou Félix. Mais ces femmes-là, ces anciennes compositrices, ne devaient pas s’exposer en public. Il y avait une interdiction, un empêchement de la part des pères, des frères et des maris.

DVDM : Et le fait que maintenant, il y en ait moins d’interdiction, est-ce que ça permet aussi aux femmes compositrices d’être un peu plus reconnues ?

NN : Elles prennent un peu plus de place. Mais franchement, le chiffre des programmations de femmes n’est pas énorme. On est en-dessous des 10%.

DVDM : Et est-ce que l’autocensure, par exemple, est encore très présente ?

NN : Je pense qu’elles s’autorisent moins ou qu’elles s’autorisent moins à prendre de la place. Peut-être pas de l’autocensure, mais d’être en manque de confiance. C’est vrai que ce n’est pas évident d’arriver, dans un monde plutôt patriarcal, à s’imposer. Surtout que la musique reste quand même très, très masculine. En jazz, c’est terrible. On voit un peu plus de femmes, mais, les femmes, ce sont surtout les voix. Si on demande de citer des compositeurs ou des compositrices, le chiffre de d’énumération de compositrices sera très petit alors que pour les compositeurs, on va citer Beethoven, Chopin, Mozart, ça vient plus facilement. Et tout le but du projet est de permettre aux enseignants d’enseigner autrement, d’ouvrir un petit peu des pages blanches sur des choses qui ont été oubliées. Effacées.

A partir de ce jeudi, venez découvrir ces « Rebondissements musicaux » inédits proposés par Piano and Co. Un temps fort à ne manquer sous aucun prétexte ! DVDM

 

Programme du 11 au 13 avril 2024 :

JEUDI 11 AVRIL Conservatoire Pierre Barbizet – Marseille

Film

18h : « Sisters with transistors » film réalisé par Lisa ROVNER, 2021

Concert électroacoustique

20h : Création mondiale Esthir LEMI, oeuvre d’Angela da PONTE

VENDREDI 12 AVRIL Conservatoire Pierre Barbizet – Marseille

Concert

20h : Création mondiale d’Eve RISSER, soirée « Compositrices européennes »

SAMEDI 13 AVRIL Conservatoire Pierre Barbizet – Marseille

Table Ronde

14h45 : Rencontre modérée par Pierre-Yves GINET, journaliste

avec : Eve RISSER, compositrice ; Annie COSTE, autrice « Les femmes musiciennes sont dangereuses »

Macha GHARIBIAN, pianiste compositrice ; Amalia, rappeuse

Projection

16h : Extraits du documentaire « Musique Maestra ! », réalisé par Anne ALIX

Suivie d’une rencontre

avec : Anne ALIX réalisatrice ; Eve RISSER, compositrice ; Nathalie NÉGRO, directrice artistique de PIANO AND CO

Concert

20h : Concert de clôture, soirée « Compositrices européennes »

Bon à savoir :

DU 8 AU 13 AVRIL Conservatoire Pierre Barbizet – Marseille : 1 PARCOURS, EXPOSITION ITINÉRANTE

Un parcours singulier, pour tout public a été imaginé par la directrice artistique de PIANO AND CO. Nathalie NÉGRO, afin de sensibiliser le public à l’invisibilité des compositrices. C’est à Claudine BERTOMEU qu’a été confiée toute la scénographie de la déambulation qui aura lieu au sein du Conservatoire Pierre Barbizet de Marseille. Différents espaces ont été investis afin de jouer sur la visibilité et l’invisibilité des compositrices. Le public pourra déambuler au fil des étapes proposées, où il découvrira des projections vidéo, des stations d’écoute, des informations retraçant l’histoire des compositrices des pays impliqués dans le projet, des portraits de compositrices affichés

Entrée libre

MUSICAL BOUNCE BACK ce sont :

5 pays euro-méditerranéens partenaires

10 enseignant.e.s impliqué.e.s

30 jeunes musicien.ne.s au coeur du projet

50 000 étudiant.e.s impacté.e.s dans l’ensemble des établissements

Infos pratiques :

Conservatoire Pierre Barbizet – Marseille 2 Pl. Auguste et François Carli, 13001 Marseille

Tarifs

Concerts vendredi / samedi : Tarif plein 15€ / Tarif réduit 8€

Concert électroacoustique : 12€ / Tarif réduit 7€

Film “Sisters with transistor” : 7€

Concert électroacoustique + film : Tarif plein 15€ / Tarif réduit 10€