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Une production inoubliable

Après une belle Lakmé, l’opéra de la capitale varoise poursuit sa superbe saison lyrique en faisant l’un des phares lyriques du sud de l’hexagone en accueillant la production de l’Opéra National de Bordeaux confiée à Marie-Louise Bischofberger, collaboratrice du metteur en scène suisse Luc Bondy. Premier volet de la trilogie Tudor et vingt neuvième opéra de Donizetti en deux actes sur un excellent livret de Felice Romani dessinant parfaitement les personnages et livrant des situations mélodramatiques à l’effet théâtral garanti. Il s’inspire de deux pièces italiennes Enrico VIII d’Ippolito Pindemonte et Anna Bolena d’Alessandro Pepoli, cet ouvrage permit à son compositeur de connaître son premier véritable triomphe public à sa création le 26 décembre 1830.

Pour incarner le rôle–titre, l’œuvre requiert un monstre sacré. On se souvient des incarnations de Maria Callas, Leyla Gencer, Beverly Sills, Montserrat Caballé ou Edita Gruberova plus près de nous. Récemment, la soprano russe Anna Netrebko au côté d’Elina Garanca faisant l’objet d’un bel enregistrement sous la direction d’Evelino Pido.

Pour sa première mise en scène lyrique, Marie-louise Bischofberger réussit son pari en livrant la version scénique de cette décénie de l’œuvre. S’appuyant sur d’ingénieux décors abstraits d’Erich Wonder et beaux costumes d’époque de Kaspar Glarner bien mis en lumières de Bertrand Couderc. Elle s’attache plus au fond qu’à la forme en belle héritière de Luc Bondy. Elle insuffle aux chanteurs particulièrement concernés un véritable élan théâtral offrant un spectacle d’une grandeur tragique rarissime. Devant une telle réussite, on se demande pourquoi les caméras de France Tv n’étaient pas là pour faire partager ce spectacle à un plus large public. Si La favorite de l’Opéra du Capitole à Toulouse a fait l’objet d’une diffusion tardive sur France 3 récemment, cette Anna Bolena l’aurait mérité d’avantage !

Une distribution rare avec une Anna Bolena de légende

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Giuliano Carella livre une direction particulièrement inspirée de l’œuvre mettant en lumières toutes les richesses d’une partition dramatique instrumentale. Avec les forces instrumentales toulonnaises, il surpasse son confère Evelino Pido. La formation toulonnaise sous son impulsion semble respirer ce répertoire. Le maestro italien a su établir un bel équilibre entre la fosse et l’orchestre. On rêve de voir et entendre sur cette scène les deux autres volets de cette trilogie mais aussi la magnifique Gemma di Vergy totalement oubliée aujourd’hui.

Destinée à une cantatrice hors pair, on se souvient de la superbe Elza van den Heever dans Anna Bolena à Bordeaux lors de la création de cette production, elle trouve en la soprano albanaise Ermonela Jaho, jadis révélée au public de notre région par Renée Auphan à l’Opéra de Marseille, l’interprète idéale.

Elle est Anna Bolena tant scéniquement que vocalement dès sa première apparition. À chaque fois, elle aura su offrir le juste visage d’une reine orgueilleuse, d’une femme abandonnée, d’une amante repentante, d’une amie trahie…

Elle sait nous bouleverser et nous captiver dans la folie. Elle offre une voix puissante bien timbrée à la technique irréprochable offrant des pianissimi cantabile insoupçonnées. Il en est de même pour la Jane Seymour de Kate Aldrich au timbre de velours. La rivalité entre Boleyn et Seymour dans leurs duos ont profondément marqué les représentations grâce à ces deux cantatrices au sommet de leur art ! Kate Aldrich m’avait convaincu en Favorite à Toulouse. Elle est une Jane Seymour d’exception tandis que Svetlana Lifar est superbe en Smeton.

Ancien élève d’Alfredo Kraus, le ténor espagnol Ismail Jordi offre un Percy de rêve au phrasé élégant et au timbre solaire. Ce jeune artiste évitant toute erreur de choix de rôle est en progrès constant et il est devenu totalement incontournable dans ce répertoire avec une présence scénique magnétique.

Simon Orfila à la voix puissante est un Enrico VIII de grande classe et d’une grande autorité. Signalons les incarnations sans reproche de Thomas Dear en Rocheford et Carl Ghazarossian en Harvey.

Avec des budgets bien plus restreints, l’Opéra de Toulon fait oublier sans peine le demi flop de la création à l’Opéra National de Bordeaux… Pas la peine de se rendre à Vienne ou au Metropolitan à New-York, le miracle se trouvait bien au bord de la méditerranée…

Une représentation difficile à oublier !

Serge Alexandre

(c) photos : Fred Stephan

www.operadetoulon.fr ^[3]

Anna Bolena a été représentée les 14, 16 et 18 novembre 2014 .

Prochain spectacle lyrique : La belle Hélène de Jacques Offenbach du 27 au 31 décembre.

http://www.youtube.com/watch?v=AsDEdG1kXss ^[4]

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MOÏSE ET PHARAON

(1827)

Opéra en quatre actes livret de Luigi Balocchi et Etienne de Jouy

Musique  Gioacchino Rossini

Version de concert

8 novembre

L’Opéra de Marseille nous a habitués à la découverte ou redécouverte, sous forme de concert, d’œuvres rares ou inédites, injustement oubliées, jalon intéressant dans l’histoire de la musique ou simplement dans la carrière d’un grand compositeur de la sorte éclairée d’un maillon négligé de sa production.

Ainsi ce Moïse et Pharaon enfin créé ici.

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L’Œuvre  : brûlante actualité

         Tiré du fameux Livre de l’Exode de la Bible, fondamental, car le héros central, Moïse, est le premier prophète et le fondateur de la religion dite mosaïque ou juive. On sait que, né en Égypte, sauvé des eaux du Nil dans son berceau, il arrachera son peuple dit-on (mais Égyptien de naissance, son peuple est-il celui du sol ou du sang ?) à la captivité égyptienne et lui donnera, en route vers la Terre Promise, les Tables de la Loi, les Dix Commandements. Le sujet a été traité par tous les arts, même le cinéma, avec ses divers épisodes au romanesque impressionnant, les Dix plaies d’Égypte et, surtout, les Hébreux menés par Moïse passant à pied sec la Mer Rouge où les poursuivants Égyptiens seront engloutis par les flots. Bref, un Proche-Orient déjà en conflit entre mêmes peuples sémites, affrontement d’un Dieu contre les dieux, également présent dans Nabucco, avec aussi déportation, esclavage des Juifs, menaces d’extermination et solution, sinon finale, in extremis, suivie de l’exode salvateur des Hébreux libérés.

1824 : l’italianissime Rossini s’exporte à Paris. Mais qu’importe ? Il y importe et apporte son italianitá, son savoir faire, et faire vite —et bien— et va vite le faire savoir très bien. Dans une logique culturelle nationaliste, on lui confie la direction du Théâtre des Italiens où il sert le répertoire adéquat, et le sien. Mais il vise la chasse gardée, héritage de l’Ancien régime récemment restauré après la tourmente révolutionnaire et l’épopée napoléonienne, l’Académie Royale de Musique, temple national des productions françaises passées et compassées, d’un art du chant français vainement décrié par Rousseau au siècle précédent qui le trouvait, dirai-je pour résumer ses longues diatribes, pompeux, pompier, pompant.

Rossini, avec prestesse et élégance, y fera une éclatante démonstration de son sens de l’adaptation au génie du lieu sans rien perdre du sien avec la création, en 1827, de Moïse et Pharaon, reprise francisées, nationalisée française, de son Mosè in Egitto créé au San Carlo de Naples en mars 1818, où il faisait la part belle à la virtuosité de sa femme, la cantatrice espagnole Isabel Colbrán. Un habile librettiste, Etienne de Jouy
, adapte en français le livret original de Luigi Balocchi. On y remarque la plaisante transformation des noms de l’original italien avec des désinences fleurant, en plein romantisme, le néo-classicisme du siècle précédent : Anaïde, Sinaide, Aufide, Osiride, qui ne déparerait pas quelque tragédie d’un épigone tardif de Racine, de Voltaire.

Pour ce qui est de la musique, tout en conservant sa patte originelle, l’espiègle signature de ses flûtes et piccolo, et la pâte italienne d’une orchestration transparente, Rossini nourrit davantage son orchestre et gonfle ses chœurs qui deviennent, très loin de l’opéra italien et des siens en particulier, de véritables protagonistes antagonistes de l’action, Hébreux contre Égyptiens. Enfin, il se moule avec aisance dans un type de déclamation française un peu solennelle, du moins dans les récitatifs, tous obligés, accompagnés par l’orchestre, qui donne un tissu musical continu non haché par le recitativo secco au clavecin. Il concède une noblesse de ton remarquable aux personnages primordiaux, notamment Moïse et Pharaon, au discours à la virtuosité assagie ; mais, bon chant pour tous, il réserve le bel canto au sommet, vertigineux par la tessiture élargie et les sauts, par une ornementation acrobatique extrême, à l’improbable couple inter-ethnique de jeunes premiers amoureux : Anaïde, Juive, et Aménophis, Égyptien, parallèle et chiasme que l’on retrouvera plus tard dans celui de Fenena et Ismael du babylonien Nabucco de Verdi, et, dans les deux opéras, une sublime prière des Hébreux qui conduiront les deux compositeurs à leur dernière demeure., Anaïde Juive, et Aménophis, Égyptien, parallèle et chiasme que l’on retrouvera plus tard dans celui de Fenena et Ismael du babylonien Nabucco de Verdi, et, dans les deux opéras, une sublime prière des Hébreux qui conduiront les deux compositeurs à leur dernière demeure. C’est dire si Rossini, l’air de rien, ouvre des portes, tant du grand opéra à la française que de l’italien.

L’ouverture n’est plus simplement un morceau simplement destiné à meubler le temps d’ouverture du théâtre et d’installation du public et, pour cela souvent interchangeable : elle crée une atmosphère, laisse présager, sinon la houle, les vagues du passage de la Mer Rouge, qui devait être le clou spectaculaire du mythe juif. Les divers épisodes des Dix plaies d’Égypte donnent aussi lieu à des passages d’une musique figurale expressive.

Interprétation

Libérée des contingences représentatives, bien complexes à mettre en scène, forcément oblitérées par trop d’images grandioses de cinéma, la version scénique a le mérite de concentrer l’attention sur la musique et le chant, ce qui laisse forcément les interprètes impitoyablement à nu.

À la direction musicale, Paolo Arrivabeni, est l’élégance en personne : avec une économie gestuelle remarquable, il tire de l’Orchestre de l’Opéra de Marseille au mieux les meilleurs des effets sans effectisme, étageant clairement les plans, caressant les cordes lumineuses, dorant doucement les cuivres, si rares chez Rossini, sans renflement ni ronflement, faisant surgir les couleurs de certains pupitres, flûtes, clarinette, hautbois dans une clarté générale qui montre combien Rossini a assimilé les leçons viennoises classiques de Mozart et Haydn. Attentif en bon chef de chant également, sans jamais les mettre en danger, il guide souplement les chanteurs dans les périlleuses ascensions et descentes ornées de ce bel canto qui est aussi l’élégance suprême de la voix, où les plus redoutables obstacles vocaux deviennent une voluptueuse victoire du souffle et d’une technique travestie, investie par la grâce, ravissant d’effroi le spectateur de la difficulté vaincue avec aisance, apparemment sans effort : la politesse du beau chant. Et de ce vaste chœur, admirablement préparé par Pierre Iocide, Arrivabeni tire les effets musicaux et émotionnel d’un vrai personnage, vaste horizon sonore, belle fresque ou frise de laquelle se détachent, sans solution de continuité dans le flot musical, les solistes.

N’était-ce l’intrigue amoureuse obligatoire pour le temps mais superfétatoire, cet opéra est en fait un magnifique oratorio qui nous dévoile encore une facette du facétieux (en apparence) cher Rossini aux visages finalement très divers.

Quant à la distribution, des petits (par la durée) aux grands rôles, c’est un bonheur que n’avoir qu’un même hommage à rendre à leur qualité et cohésion. En quelques phrases, le jeune ténor Rémy Mathieu laisse en nous le désir de l’entendre plus longuement ; connu et entendu déjà souvent depuis ses débuts, Julien Dran fait plus que confirmer des promesses : il se tire de la partie d’Eliézer, hérissée de difficultés, avec une vaillance pleine de maestria et il montre et démontre qu’il est prêt pour le saut de grands rôles autres que de ténor di grazia où on l’a vu exceller. Philippe Talbot, ténor d’une autre teneur, dans l’ingrat personnage d’Aménophis, peut-être le seul héros de quelque dimension psychique bien que trop symétriquement contrasté par des affects contraires, déchiré, entre haine et amour, pardon et vengeance, déploie une voix franche, brutale parfois, dont la rudesse acérée à certains moments de cette partition follement virtuose qu’il affronte héroïquement, sert l’expressivité émotionnelle et fiévreuse du personnage et rend crédible son tourment, se pliant en douceur aux duos avec la femme aimée. Familier de notre scène, dans un rôle trop bref pour le plaisir que l’on a toujours à l’entendre, Nicolas Courjal, basse, affirme l’étoffe rare du velours sombre et profond de sa voix. Quant au baryton québécois, Jean-François Lapointe, chez lui à Marseille, que dire qu’on n’ait déjà dit de ce grand artiste ? Beauté de la voix, égale sur toute la tessiture ici très longue, élégance du phrasé, aisance dans un emploi apparemment inhabituel par des traits bel cantistes, brillant de l’aigu, il est souverain par la noblesse et justesse de l’expression convenant au personnage d’un Pharaon traversé par le doute. Aucun de ces chanteurs, dans leur juste place, n’est écrasé par la présence imposante de Ildar Abdrazakov en Moïse, voix immense mais humaine, puissante et parfois confidentielle, large, d’une égalité de volume et de couleur dans toute la tessiture, en rien affligée du vibrato souvent excessif des basses slaves : vrai voix de prophète, d’airain, propre à graver dans le roc les Tables de la Loi.

Et que dire des dames ? En peu de répliques, Lucie Roche, réactive à la musique et aux propos de ses partenaires, immergée dans toute la partition et non seulement sa partie, impose le velouté de sa voix de mezzo, sa belle ligne de chant et l’on goûte pleinement cette douceur de mère symétrique de l’autre mère amère et douce du futur Pharaon, Sonia Ganassi, mezzo moins sombre, cuivré, chaud, défiant tous les pièges d’un rôle qui, pour être relativement bref, relève de la plus haute volée du bal canto le plus acrobatique. En Anaïde, stéréotype féminin hésitant entre l’amour humain et divin, la soprano Annick Massis se joue avec une grâce angélique de sa diabolique partition, hérissée de sauts terribles du grave à l’aigu, avec des intervalles de gammes véloces vertigineuses, brodés de trilles, dentelés de toutes les fioritures expressives du bel canto ; sur un soupir, la caresse d’un souffle, elle fait rayonner des aigus impondérables aux harmoniques délicatement scintillantes, une infinie palette de nuances iridescentes : mille rossignols, mille musiques dans une seule voix.

Un triomphe amplement mérité. B.P.

Opéra de Marseille,

8, 11, 14, 16 novembre

Moïse et Pharaon de Giocchino Rossini

Orchestre et Chœur de l’Opéra de Marseille,

Direction musicale  Paolo Arrivabeni
 ; Chef du chœur Pierre Iodice

Distribution ;

Anaïde : Annick Massis ; Sinaïde : Sonia Ganassi ; 
 Marie : Lucie Roche ;    Moïse : Ildar Abdrazakov ; Pharaon : Jean-François Lapointe ; Aménophis : Philippe Talbot : Eliézer   Julien Dran ; 
 Osiride / une voix mystérieuse : Nicolas Courjal ; 
 Aufide : Rémy Mathieu
.

Photos : Christian Dresse :

1. A. Massis et L. Roche ;
2. A. Massis ;
3. S. Ganassi  et ph. Talbot ;
4. I. Abdrazakov
5. J.-Fr. Lapointe ;
6.  N. Courjal ;
7. Saluts.

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AU POIL !

LA NOUVELLE VÉRONIQUE

Par

La Troupe lyrique Méditerranéenne

D’après Véronique (1898), opérette d’André Messager, libre livret adapté de l’original (Vanloo et Duval) par Mikhael Piccone en collaboration avec Gwennaelle Seiferer et Marion Gregori.

Théâtre du Lacydon

16 novembre

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Belle et bonne idée : créer une troupe d’artistes du cru et leur donner la possibilité de s’exprimer sur scène, en troupe. Belle et bonne troupe que celle de ces jeunes et beaux chanteurs menés tambour battant par le dynamique et enthousiaste Mikhael Piccone qui signe mise en scène et part de l’adaptation avec ses complices Gwennaelle Seiferer et Marion Gregori. Le résultat : un spectacle réjouissant, plein d’allant et de talent à partir d’une œuvre dont la musique résiste encore au temps, au moins deux airs, mais dont le texte est passablement vieillot.

L’œuvre

Encore que peu originale mais courante à la scène, l’intrigue, le déguisement pour faire advenir la vérité, ici un travestissement de la fiancée incognito pour jouer et déjouer un Vicomte criblé de dettes et coureur de dot et jupons, pourrait être du Marivaux, du Da Ponte/Mozart. Mais la trame, sans frôler le drame (un adultère, une rupture, une aventure et mariage faussés), est desservie par un texte d’une fadeur bourgeoise qui, sans être tiré par les cheveux, est loin d’être ébouriffant, de décoiffer. Et c’est là que nos lascars, sans se faire des cheveux, ont saisi la fortune par un cheveu, par la chevelure, en ont fait des frisettes et des risettes, et même paré les personnages de perruques et de nouveaux noms qui sont un programme digne d’un salon, sinon de la haute, de coiffure. Dans ce monde bourgeois où prime l’intérêt, où Guizot, ministre de Louis-Philippe, sous le règne duquel se passe l’action, lançait le fameux « Enrichissez-vous ! », cette Nouvelle Véronique, sans que cela tienne à un cheveu, ou plutôt oui, tout se monnaie non en monnaie de songe mais de singe : au cheveu près ! On ne paie pas rubis sur l’ongle mais sous l’angle de sa chevelure, on ne paie pas sur sa mine, sur sa tête, mais sur sa crête : on paie sur la mine plus ou moins riche de ses cheveux plus ou moins fournis! Et de tant devoir, de tant de dettes, certains, sans un radis, ont les cheveux ras, sans être rasoir, menacés de calvitie totale par les remboursements.

Réalisation et interprétation

La mise en scène de Piccone, sur ce postulat chevelu farfelu, fourmille de trouvailles, de détails cocasses colorés où l’on retrouve sa veine et sa verve comique, bien servie par les échos coloristes des costumes et des perruques du quatuor Agnès Pasqualini, Mireille Frayssinhes, Marie Pons, Marion Redoutey, qui bien attifent et affublent un quatuor de belles plantes du fleuriste, Alice Buro, Sabrina Kilouli, Marie Pons, Laura Stamboulis, de beaux tailleurs et de perruques platine d’abord, rousses ensuite pour la suite de demoiselles d’honneur de la noce qui font jeu même avec la botte de carottes : un carré de dames bien sexy pour la sage robe virginale de mariée de la Véronique dévoilée. On apprécie également l’harmonie de la robe de la tante qui joue même avec celle de son parapluie, et l’arc-en-ciel de la robe de la volage Agathe, la belle Émilie Cavallo à la superbe voix. Jolie harmonie des couleurs et des ensembles vocaux.

Mais la trouvaille essentielle est d’avoir fait de Florestan, ci-devant Vicomte de Cheveux courts (Gilen Goicoechea) menacé, pour dettes, d’être rasé à zéro comme son compte en banque, un rocker, le rocker par excellence, un Elvis Presley en blouson de cuir et le cuir chevelu brillantiné pour ce brillant ténor —pardon— baryton brillantissime, timbre chaud de chaud lapin, voix sonore, ample et large comme ses épaules de rouleur de mécaniques et comme son ego, miroir en main pour vérifier sa rutilante dentition (« Cheese ! ») et sa coupe de cheveux soigneusement et amoureusement plaquée de sa main et de ce peigne qui ne le quitte pas.

Le destin de son compère Loustot, baron de Frisette sans un poil, tient à lui par un cheveux pour récupérer les siens si l’ami règle ses dettes grâce au mariage d’argent. Il est campé avec drôlerie par l’excellent ténor Guilhem Chalbos qui pourrait crier « Chauve qui peut ! » avec le cocu Coquenard, la basse sombre Guillaume Barralis, dont le manteau est aussi enrichi des scalps d’autrui, signe extérieur de richesse, que son crâne en est pauvre, et le front, orné par sa femme et Florestan, est nu comme un œuf, le faisant rêver de la promotion d’une perruque. On ajoutera à ces bien chantants mâles en mal de cheveux ou mariage, le drolatique Séraphin d’Angelo Citriniti, sorte de Napolitain frustré par sa femme, la jolie Alexia M’Basse, couple haut en couleur.

Côtés dames de la high society, il faut saluer l’aisance scénique d’Annabelle Sodi-Thibault en Ermerance de Cheveux durs/Estelle, tante aristo et pincée qui en pince pour l’humble fleuriste Coquenard. Véronique —pour le dragueur Florestan— en grisante grisette (mais en robe vichy et non en grisaille ouvrière) Hélène de Cheveux d’Ange déguisée, a l’angélique et fraîche voix de Marion Rybaka, musicale et douce, mêlée, sinon encore mariée, à celle ardente du pendard Florestan de Gilen Goicoechea. Ils nous font goûter les duos au charme désuet attendrissant : « De-ci, de-là, cahin-caha, /Va chemine, va, trottine !/ Le picotin te récompensera », de la balade et ballade en âne, et le fameux « Poussez, poussez, l’escarpolette ». Il faut dire que la fermeté et la vivacité de la direction musicale, à partir du piano, de Valérie Florac tient bien toute la remuante et juvénile troupe, en maintien le dynamique tempo sans faille avec le soutien feutré du violoncelle de Jean-Yves Poirier et de la flûte parfois espiègle de Danilo de Luca.

Même les silhouettes (Fabienne Hua, Émilie Bernou, Jérémy Favret,  Jeong- Hyun Han) sont bien traitées. Mal traitée ? Une jolie Colombine muette, mime, danseuse, pendant tout le long spectacle, en contrepoint, se gondole, contorsionne, se tord et se distord joliment, sans un temps d’arrêt : Alessia Tomasello.

Un spectacle de jeunes qui pourraient en remontrer à des vétérans, qui a réjoui les uns et les autres dans cette salle pleine et vibrante. Benito Pelegrin

La Nouvelle Véronique

Marseille, Théâtre du Lacydon, 16 novembre,

Cabriès, maison des Arts, 7 décembre, 15 heures.

Direction musicale/piano : Valérie Florac ; violoncelle : Jean-Yves Poirier ; flûte : Danilo de Luca.

Mise en scène : Mikhael Piccone. Scénographie : Gwennaelle Seiferer ;

Costumes : Agnès Pasqualini, Mireille Frayssinhes, Marie Pons, Marion Redoutey.

Distribution :

Hélène de Cheveux d’Ange/Véronique : Marion Rybaka ; Agathe Coquenard : Émilie Cavallo ; Ermerance de Cheveux durs/Estelle : Annabelle Sodi-Thibault ;

Denise : Alexia M’Basse ; vendeuses/ demoiselles d’honneur : Alice Buro, Sabrina Kilouli, Marie Pons, Laura Stamboulis ; Tante Benoît : Fabienne Hua ; cliente : Émilie Bernou.

Florestan/Vicomte de Cheveux courts : Gilen Goicoechea ; Loustot/baron de Frisette : Guilhem Chalbos ; Coquenard : Guillaume Barralis ; Séraphin : Angelo Citriniti ; un acheteur : Jérémy Favret ; Patron du tourne bride : Jeong- Hyun Han ; Colombine danseuse : Alessia Tomasello.

Photos  de JB Lev :

1. Une jolie brochette de divas et divettes  au Pharo;
2. Marion Rybaka  et Gilen Goicoechea dans l’escarpolette;
3. Un Florestan rocker et ses groupies (derrière, G. Chalbos , J.- H. Han, G. Barralis et E. Cavallo ;
4. Une tante aristo (Annabelle Sodi-Thibault ) et ses rêves érotico-matrimoniaux ;
5. Véronique et sa tante ;
6. Barralis, Cavallo, Rybaka , Sodi-Thibault : explications.

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Histoire d’une naissance

Léo et Richard

Il aura fallu vingt ans d’attente et de combat pour Richard Martin pour obtenir son nouvel espace sur les terrasses du Toursky, situé dans le quartier de Saint-Mauront, l’un des quartiers les plus déshérités de Marseille.

Il peut s’enorgueillir cependant de posséder l’un des lieux culturels phares de l’hexagone, seule véritable aventure de théâtre populaire sur les traces du Théâtre Quotidien de Marseille réussie depuis Jean Vilar. Rappelons que le Toursky a accueilli depuis sa création les plus grands artistes dans leurs domaines : Roberto de Simone, Tadeusz Kantor, Claude Régy, Jérôme Savary, Marie-Claude Pietragalla, Heiner Muller, Stéphane Braunschweig, Piotr Fomenko, Vladyslas Znorko, Jean-Marie Villégier… Il était normal pour Richard Martin, défenseur des mots de Léo Ferré à travers le Monde, de baptiser ce nouveau lieu par le nom du poète, compagnon de route. Léo Ferré aimait dire du Toursky « Ce Théâtre Toursky, c’est ma raison d’être marseillais »

Marseille a bien changé depuis quarante ans. Jadis considérée comme un désert culturel, elle est désormais l’une des villes les plus riches sur le plan théâtral : elle compte une cinquantaine de théâtres, un des opéras les plus importants sur le plan européen, un ballet national. En 2013, capitale européenne de la Culture, elle s’est enrichie d’infrastructures exemplaires, telles le Mucem ou la Villa Méditerranée, participant activement au développement économique de Marseille et sa région. Réalisé en 2012-2013, l’espace Léo Ferré, initié par l’architecte Édouard Sarxian présent ce dimanche, a accueilli jusqu’ici quelques universités populaires, quelques compagnies régionales et nationales recherchant un lieu pour répéter. Ce superbe et unique espace dans la continuité du Théâtre Toursky a fait l’objet d’un week-end d’inauguration les 22 et 23 novembre 2014 en présence de Marc Hollogne et son équipe.

On pouvait y croiser quelques élus tels que Lisette Narducci, député maire du 2^ème et 3^ème arrondissement, et son équipe, Rudy Vigier pour la Région Paca, Smail Ali, conseiller municipal représentant le député Maire – Sénateur de Marseille Jean-Claude Gaudin. Comme à son habitude, on est venu de toute la région, du département et de tous les quartiers de la ville pour découvrir ce nouveau lieu.

Les passerelles du possible

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L’espace Léo Ferré offre une belle salle de spectacle amovible pouvant accueillir deux cent personnes assises et trois cent cinquante personnes en configuration concert. Il s’est doté d’un magnifique restaurant Les frangins de la night pouvant accueillir public avant le spectacle puis permettre de recevoir spectateurs et artistes à la fin des représentations. Un espace bar cosy est idéal pour les after et les before.

Richard Martin en maitre de cérémonie a donné les grandes lignes du projet artistique de l’Espace Léo Ferré. Il s’engage à promouvoir des créations de jeunes compagnies de notre région en les accueillant en résidence, y développera une programmation autour des musiques actuelles, classiques, lyriques, jazz et musiques du monde. Il devrait enfin permettre de développer les Universités Populaires. Il faut dire que Marseille ne possédait guère de salles de cette dimension. L’espace Léo Ferré se prête aussi aux expositions, colloques, réunions…

Ce lieu poétique et magique pourra être loué à des prix modérés aux associations, comités d’entreprises ou particuliers pour diverses occasions selon la direction du théâtre.

Pour inaugurer ce lieu, une création de Marc Hollogne, le créateur du Cinéma-Théâtre, accueillie du 2 décembre au 3 janvier

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Après trente années de succès internationaux, les marseillais ont découvert le travail de Marc Hollogne avec « l’Illuminé » au Théâtre Toursky en 2012.

Ce dernier lors d’une rencontre avec Richard Martin et son équipe en octobre a eu l’idée d’écrire spécialement pour l’Espace Léo Ferré un nouveau spectacle Marciel, L’enchanteur dans le tourbillon chantant de l’huissier. Il y a déjà quelques années, Marciel s’était fait remarquer en mélangeant très étroitement le théâtre et le cinéma. Mais aujourd’hui, ruiné pour s’être fait tout voler, retranché dans une grange, il ne lui reste rien, excepté un piano, un écran, un projecteur de cinéma et quelques affaires courantes, dispersées autour d’un matelas de fortune. Un huissier débarque pour saisir ses derniers biens alors qu’il passe ses nerfs sur « le Misanthrope ». Marciel essaie d’obtenir un sursis mais l’huissier ne veut rien entendre, à moins que ce ne soit pour pousser sa victime à se surpasser. Et c’est ce qui se produit… Marciel explose d’énergie… Il plonge dans une piscine, traverse un boudoir du 18^ème siècle pour y rejoindre une courtisane truffée d’effets spéciaux, dialogue avec un fils imaginaire, se prend la tête avec un robot de la Nasa…

Soyons en sûr, cette création devrait être tellement réjouissante qu’elle devrait faire date. A voir en famille car c’est l’un des événements de l’actualité théâtrale de cette fin d’année. Une des meilleures manières de finir l’année ou de la commencer de la plus belle des façons. Pierre Rotolo

« Marciel l’enchanteur » se jouera à l’Espace Léo Ferré tous les jours (relâche le lundi) du 2 décembre 2014 au 3 janvier 2015 à 21h. Le public aura la possibilité de voir ce spectacle les soirs du 24 décembre et 31 décembre et faire la fête dans ce nouvel espace avec un cocktail détonnant de surprises concocté par Les Frangins de la Night.

Plus d’infos et réservations : www.toursky.org ^[5]

Renseignements : 0 820 300 033

Présentation du spectacle :

http://www.youtube.com/watch?v=7D7Y1zVSnD8&feature=youtu.be ^[6]

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ANNA BOLENA

(1830)

Opera seria en deux actes de Gaetano Donizetti (1797-1848)

Livret de Felice Romani (1788-1865)

Opéra de Toulon

14 novembre

La folie dans l’opéra [1]

Le premier tiers du XIX ^e siècle, de l’Italie à la Russie, l’Europe se penche sur la folie, dans la littérature  (Gogol Le Journal d’un fou, 1835) et le théâtre. Mais on assiste à une véritable épidémie, une contagion de la folie chez les héroïnes lyriques. A l’opéra, en effet, les folles font courir les foules, une vraie folie, littéralement.

Remarquons d’abord que nos héroïnes folles, plutôt que folles héroïnes, semblent pratiquement toutes venir du froid, du nord : Ophélie d’Hamlet de Shakespeare est danoise par le lieu de la scène mais anglaise par la langue ; Ana Bolena de Donizetti, Anne Boleyn, anglaise ; Elvira des Puritains de Bellini, est aussi anglaise, Élisabeth d’Angleterre, cela va de soi, et, dans Roberto Devereux de Donizetti de 1837, la reine, prompte à couper des têtes, perd un peu la sienne, un accès de délire, à la mode romantique et Maria Stuarda, sa rivale, est reine d’Écosse, ainsi que lady Macbeth. Lucia di Lammermoor est également écossaise. Amina, de la Somnambule de Bellini est suisse et Marguerite, tirée du Faust de Goethe, est Allemande et il y aura une version française de Berlioz, une autre de Gounod et deux autres encore, italienne dans Mefistofele de Boïto, et italo-allemande avec Busoni.

Voilà donc des héroïnes romantiques des brumes du nord mais des opéras du sud dans des opéras qui montrent non comment l’esprit vient aux filles comme dirait Colette, mais comment elles le perdent, pratiquement toutes par amour.

La première à ouvrir la ban est l’Imogène de Il pirata de Bellini (1827), œuvre inspirée d’une pièce française du XVIII^e siècle, mais traduite d’une pièce d’un auteur irlandais de 1816 (nous ne quittons pas le nord). Contrariée dans ses amours, mariée de force, son amant et son mari la croient infidèle, mais l’amant ayant tué son époux est mis à mort, elle perd ses deux hommes et la raison.

La scène de folie, grande et longue scène entremêlée de chœurs avec d’abord partie lente et douce dans les grandes arabesques belliniennes, puis la cabalette avec toute une folle pyrotechnie vocale, grands écarts, notes piquées, trillées, gammes montantes, descendantes, etc, fit grand effet et la cantatrice se paya un triomphe.

Naturellement, toutes les autres cantatrices réclament aux compositeurs un air de folie pour pouvoir y briller. Giuditta Pasta, grande vedette et vocaliste se voit vite offrir par Donizetti, confrère et rival de Bellini, le rôle d’Anna Bolena (1830), Anne Boleyn, la malheureuse épouse d’Henri VIII d’Angleterre qui, désireux de changer encore de femme après avoir divorcé de Catherine d’Aragon, entraînant le schisme d’Angleterre, la rupture avec le pape et le catholicisme. Dans la Tour de Londres, attendant son tour sur l’échafaud, Anna perd la tête avant d’être décapitée.

Le sujet : un roi en mal de mâle

Felice Romani, le librettiste, loin des outrances et invraisemblances romantiques d’un Victor Hugo jouant avec l’Histoire, tisse un livret solide, près de la vérité, où l’action, le sort de la reine Anne Boleyn est pratiquement scellé dès le lever du rideau, en cette an qu’on ne peut dire de grâce de 1536. Il met en valeur les rapports de la suivante Jane Seymour avec sa souveraine qu’elle trahit sans le vouloir vraiment, séduite par le volage Henri VIII, frustré d’un héritier mâle avec ses deux épouses, la passée et la présente pesante. Jane refuse une liaison de l’ombre, exigeant un mariage dont elle sait pourtant qu’il signe la mort de la souveraine régnante, le roi ne pouvant s’offrir le luxe d’un autre divorce, comme l’avait exigé Boleyn, qui joua aussi longuement de sa fausse virginité pour obtenir la main du roi.

L’épée et non la hache, faveur royale, tranchera dans le vif du sujet, en l’occurrence, le cou de la reine Anne. Le Roi fomente réellement un complot pour instruire un inique procès et accuser sa femme d’adultère, probablement faux pendant leur union, avéré si l’on considère le temps de ses longues et chastes « fiançailles » où la coquette Boleyn batifolait de très près avec son ancien amant, Percy, qu’elle n’hésitera pas à sacrifier pour conquérir le monarque enflammé, désireux d’enfanter un enfant mâle. L’adultère avec Percy, ne suffisant pas, on y ajoute celui avec son page musicien, Stemton, et l’inceste avec son frère Rochefort pour faire bonne mesure. On comprend que, emprisonnée dans la Tour de Londres, antichambre de la mort, la reine perde la tête avant de la perdre littéralement. Du moins dans l’opéra car il semble, historiquement, qu’Anne, comme Marie-Antoinette, repentie de son passé, se montra fort digne à l’heure de son exécution priant même le peuple de prier pour le roi… Il en avait sans doute bien besoin.

Réalisation et interprétation

On aime cette frise ou fresque de courtisans ombreux, assis sur le sol et commentant à voix basse la situation précaire de la reine, les cols blancs frôlés de lumière ; puis la guirlande des femmes déplorant plus tard son inéluctable sort et, enfin, hommes et femmes réunis, tournant le dos au passé, Anne Boleyn disgraciée, faisant ingratement des grâces au roi et à Jane Seymour qui dansent cyniquement leur joie de s’être débarrassés de l’encombrante souveraine.

La mise en scène de Marie-Louise Bischofberger, a de la sorte des effets picturaux intéressants, mais s’attache surtout régler, non sans raisons, les rapports des deux femmes, la reine en disgrâce et la favorite de l’ombre pour l’heure dans l’éclat de sa maîtresse, l’une ignorant la trame, l’autre déjà dans le drame et déchirée de scrupules et de remords : c’est la vérité de l’œuvre, on leur doit les plus beaux moments. Après les soli, les soliloques troublés des deux héroïnes, Seymour, la suivante, Anne, la reine, qui nous dévoilent leur âme et leurs remords (l’une de trahir la reine, l’autre d’avoir trahi son amour d’autrefois) et, par la beauté physique de ces chanteuses et par leur chant, par la perfection technique, on ne départage pas les deux rivales, la reine en fin de course et la reine en devenir : les deux sont souveraines dans leur art. Après ces prises de conscience douloureuse, les duos des deux cantatrices, la soprano et la mezzo, Jaho et Aldrich, rivalisant de virtuosité vocale expressive, mêlant le tissu somptueux de leur timbre, brillante soie de la soprano et velours chaud de la mezzo, à l’inverse de la robe rouge de la première et bleue nuit de la seconde. Premier duo d’autant plus dramatique que nous en savons plus que la principale intéressée qui ignore encore qu’elle joue sa tête.

Altière, froide au début, Ermonela Jaho, en Boleyn, semble au début dangereusement se hausser du col, de ce cou si mince à l’épée du futur bourreau comme elle le dira elle-même. On sent en elle la morgue de l’intrigante arrogante, aussi rugueuse avec la cour qu’elle fut rusée avec le roi : elle avait réussi, suivante insinuante, à évincer une rivale légitime, la malheureuse reine injustement répudiée, Catherine d’Aragon. Juste retour des choses, elle va être payée de la même monnaie par sa propre suivante, mais tourmentée des scrupules qu’elle n’a apparemment pas connus dans l’ivresse de la conquête du pouvoir d’un roi à la chair faible auquel elle aura tenu la dragée haute d’un abandon de sa fausse virginité (elle était maîtresse de Percy) contre le mariage au prix d’un divorce forcé aux conséquences historiques incalculables. Le personnage figuré par Jaho, drapé dans les oripeaux de la royauté, de la puissance, l’est autant dans la draperie et la broderie des ornements vocaux dont elle semble royalement se jouer mais va progresser en intériorité douloureuse au fur et à mesure de la compréhension de sa disgrâce, jusqu’à devenir, brisée mais non domptée, la voix toujours fraîche, cette jeune femme fragile qui déroule si délicatement la fine dentelle de sa voix au souvenir délirant des jours passées heureux : elle arrache des larmes par sa douceur de victime résignée.

Cette hauteur, cette distance puis cette faiblesse de la reine mettent en valeur, justement, les remords de Jeanne Seymour, servie avec une passion convaincante par Kate Alfrich, séduisante (et on comprend le roi), mais si humaine (et on comprend la reine) partagée entre son amour pour le roi et sa fidélité à la souveraine qu’elle trahit, protestant hautement, avec émotion, son refus de sa mort. La joyeuse danse finale avec le roi alors qu’Anne va marcher vers l’échafaud, ce qu’elle refusait, semble une contradiction avec le personnage, mais il est vrai qu’exigeant du roi le mariage, elle exigeait implicitement la mort de sa maîtresse.

Belle trouvaille, dans le quintette, la reine tenue, tendue par la main entre son ancien amant et le roi comme une figure de proue au bord du gouffre ou un insecte dans la toile d’araignée de ces bras. Bel effet, aussi, d’une dame d’atours en noir, fraise blanche, immobile, un cierge à la main, comme sortie d’une toile du Greco. Mais on peut regretter le minimalisme ou la pauvreté des temps de la scénographie (Décors Erich Wonder), un vague banc doré pour trône ou piédestal, un impensable miroir rond Art déco (le miroir plat et modeste en dimensions ne date que de la fin du XVI^e siècle) devant une vaste trouée découpée en carton-pâte est un écrin trop maladroitement abstrait pour le concret des sentiments que tente d’exprimer le jeu des affects. Malgré tout, les habiles lumières de Bertrand Couderc, dans ce fond, fondent les figures, créent des cadres dramatiques et angoissants et le décor se fermant en noirs chevrons ou lames triangulaires de haches est saisissant avec le roi au milieu, en ordonnateur des fastes sanglants de ses noces, un Simón Orfila à la voix de baryton basse, sombre, puissante mais un peu brute, ce qui convient à la brutalité d’Henry VIII, hachant les vocalises comme il hache menu ses épouses. Face à lui, Ismaël Jordi, allure et figure de jeune premier, de ténor léger rossinien passant au lyrisme dramatique mais toujours virtuose de l’œuvre, émeut par la vérité qu’il met dans ce personnage d’amoureux romantique et héroïque, osant le luxe de nuances en demi-teintes en voix mixte mais toujours virile. Face à lui, avec des effets de symétrie réussis, séparés par les gardes, en Rochefort, Thomas Dear, dans la convention de l’opéra romantique, offre un amical et élégant contrepoint vocal de basse sombre à la lumière du timbre du ténor. L’espion et perfide Hervey est bien campé par la voix affûtée du ténor Carl Ghazarossian, tandis qu’en page mal et ridiculement travesti Smeton, Svetlana Lifar, malgré ce handicap, déploie la beauté et la puissance d’un mezzo rond, chaleureux, digne d’un meilleur sort.

À la tête de son docile et ductile Orchestre de Toulon, Giuliano Carella est doublement chez lui dans cet opéra romantique et nous y mène et promène avec bonheur, dessinant des lignes, même rarement complexes, estompant des chœurs (excellemment préparés) en murmures feutrés de courtisans, faisant fleurir avec précision des couleurs instrumentales, des timbres, sans jamais rien perdre d’une continuité musicale et d’une solidarité sans faille envers les chanteurs dans une œuvre vocalement impondérable souvent où toute erreur défaille et déraille l’ensemble.

Les costumes (Kaspar Glarner) de la reine et de la suivante sont très beaux et les autres, sombres, le sont aussi quand ils sont temporels, avec la belle frise de leurs fraises ou cols colorés de blancheur sans ces longs manteaux inutilement intemporels, dans l’académisme déjà cinquantenaire de la soi-disant modernisation des œuvres anciennes, comme les signes naïfs, lunettes modernes pour Rochefort, cigarette désinvolte de l’espion et bourreau sadique et cynique, inexistante à l’époque si le tabac, était connu grâce aux Espagnols. Qu’y a-t-il, d’ailleurs, à moderniser une histoire si ancrée dans l’Histoire à notre époque où l’on divorce chez les têtes couronnées sans être obligé de les couper ? B.P

Opéra de Toulon

Anna Bolena de Donizetti,

14, 16 et 18 novembre 2014

Orchestre et chœur de l’Opéra de Toulon

Production Opéra National de Bordeaux

Direction musicale : Giuliano Carella

Mise en scène : Marie-Louise Bischofberger

Décors : Erich Wonder

Costumes : Kaspar Glarner

Lumières : Bertrand Couderc

Distribution :

Anna Bolena : Ermonela Jaho ; Giovanna Seymour : Kate Aldrich ; Smeton : Svetlana Lifar ; Enrico VIII : Simón Orfila ; Lord Riccardo Percy : Ismael Jordi ; Lord Rochefort : Thomas Dear ; Sir Hervey : Carl Ghazarossian

Photos Frédéric Stéphan :

1. E. Jaho, K. Aldrich ;
2. I. Jordi, Th. Dear ;
3. Au centre, S. Orfila ;
4. À gauche, S. Lifar au sol, Aldrich, Orfila, Jaho au sol, Jordi et Dear à droite ;
5. Une reine déchue, le roi danse avec la nouvelle.

[1] Je reprends ici quelques éléments d’une émission de France-Culture sur La Folie dans l’opéra à laquelle j’ai longuement participé.

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Gatane, jeune artiste de 32 ans originaire de Marseille, présente un stand up musical « Live Therapy » (1h20) au QUAI DU RIRE (nouvelle direction) sis 16 quai de rive neuve à Marseille du 3 au 6 décembre (mercredi et jeudi à 20h30, vendredi et samedi à 21h30).

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Un jeune homme touche à tout

Nous avons rencontré le jeune homme, agrégé de mathématiques et passionné de musique et de théâtre, pianiste de jazz et compositeur pour des radios (Oui FM), séries, films et émissions (il a signé la musique de la nuit consacrée au 50^ème anniversaire du « Doctor Who », diffusée sur France 4 le 23 novembre 2013 ou encore celle de sketches présentés dans ‘le Grand Journal’ de Canal +). Le jeune homme a débuté au Pêle Mêle et à la Caravelle à Marseille, des piano-bars où il jouait du jazz. Après avoir passé une audition dans un conservatoire de musique et de théâtre dans le XVIIème, il est parti tenter l’aventure parisienne à l’âge de 24 ans. Son nom de scène, Gatane, lui a été soufflé par une amie serveuse aux alentours de 2008 alors qu’il jouait dans un piano bar à Paris. Cette amie l’avait inscrit dans le programme sous ce nom, il joua le jeu, puis le conserva car au final, lui qui cherchait un nom de scène en trouva un par un heureux hasard. Il s’est alors rapidement tourné vers la forme du cabaret où se mêlent musique, théâtralité et humour. En effet, à la sortie de son premier EP « Les Sex Toys et Moi » en 2010, Gatane entame une série de concerts stand-up en solo (Il a joué dans des lieux insolites tels que la Monnaie de Paris ou des laveries avec le Lavomatic Tour) et son spectacle « Le Sex Toys Tour » sera joué pendant deux saisons au Théâtre Les Déchargeurs à Paris avant de tourner dans d’autres salles, salué par la presse. En décembre 2011, il sort avec son quartet un deuxième EP « Live au New Morning », après une série de concerts donnés dans cette salle mythique, sous son propre label Lez’Artis qu’il avait récemment créé.

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Un album très personnel

Sélectionné en 2012 par Claude Lemesle, président d’honneur de la SACEM, pour un show-case d’auteurs-compositeurs au Réservoir, lauréat du concours de remix Exsonvaldes et du tremplin du Festival Avec le Temps à Marseille, il réalise en 2013 son nouvel EP studio : « 500 mg », entouré de Sylvain Mercier, collaborateur des Têtes Raides. Ses chansons sont un mélange de Thomas Fersen pour le style musical, de Gainsbourg pour les jeux de mots et l’humour, l’aspect incisif et décalé des textes. Ce qui lui vaut d’être sélectionné dans la compilation 2014 éditée par Phonopaca avec sa chanson « Dorian Gray » en écoute gratuite sur son site gatane.com ; parmi les titres de cet EP, le « Daltonian Song » raconte quelles sont les couleurs de l’amour pour un Daltonien (il avoue être lui-même daltonien),  « Mon ostéopathe est un psychopathe » fort drôle relate les mésaventures d’un patient. D’autres titres à l’image de « Je suis l’Homme idéal » où il explique avoir trouvé le point G sont plus axés sur la dérision, voire l’autodérision. Le jeune homme ne manque pas d’humour dans ses textes, cherchant « à explorer des voies qui ne l’ont pas encore été » pour émouvoir, toucher, étonner et amuser son public. Pourtant, c’est un acharné de la perfection dans son travail : chaque chanson lui demande un an de travail car selon lui, « comme le disait Einstein, le talent c’est 5% d’inspiration et 95% de transpiration» ! Il sculpte alors ses chansons à la façon d’un artisan statuaire.

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Un spectacle pour un retour aux sources

Avec son nouveau spectacle, « Live Therapy », il raconte son histoire, celle d’un marseillais parti vivre à PARIS : sa chanson « mon fils » reprend les mots de son père lors de son départ en gare St Charles, son père lui disait alors « mon fils, tu pars vivre chez les fous » ! Le jeune homme a aujourd’hui choisi de revenir à Marseille dans l’espoir de faire partie de la scène marseillaise qu’il affectionne. Pour lui, il est « important d’avoir un ancrage dans sa ville natale » parce que « ce qui peut fasciner à Paris, le fait d’être anonyme et pouvoir se fondre dans la foule a son revers de médaille : l’indifférence au quotidien et une certaine froideur dans les contacts »… Chose qu’il ne retrouve pas à Marseille où l’aspect village de la ville -qui peut certes être parfois un peu étouffant- fait ressortir cet aspect chaleureux et généreux, humain, propre aux villes du Sud. Son spectacle se présente comme une thérapie de groupe où il devient un thérapeute peu commun, au piano avec son costume noir et ses assistants musiciens. Citons : Thomas Chalindar à la batterie, Ludovic Cotessard à la basse et au clavier. Peu d’accessoires viennent troubler la thérapie proposée, seuls la plaque d’immatriculation de sa première voiture immatricule son piano, une carafe de vitamine C et un bol de gélules ornant ce même piano. Une sobriété dans la mise en place qui met en lumière le talent comique du jeune musicien. Ce spectacle se révèle être autant un concert qu’un spectacle d’humour ! Il propose un voyage à travers « des chansons qui sont des histoires et les sketches qui les racontent » nous explique-t-il situant son travail à mi-chemin de celui des artistes de cabaret et des chansonniers du Music-hall d’antan. Une forme hybride qui semble bien fonctionner et plaire au public.

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Un esprit bien aiguisé

Or, c’est bien là ce qu’il souhaite, via ses spectacles : « donner de la pèche aux gens ». De nombreux spectateurs lui ont par ailleurs dit que « ses spectacles devraient être remboursés par la Sécu » ; ce qui lui a donné l’ingénieuse et bien originale idée de présenter son album sous forme de boite de médicament, avec sa notice et sa clé USB customisées ! Cet EP de 5 titres, dans sa version « collector » est disponible sur son site, uniquement. Il souhaiterait le diffuser dans les pharmacies, le faire découvrir là où le public ne s’y attendrait pas ! « Il y une forte valeur affective dans la possession d’un tel objet : le CD est un souvenir chargé d’une valeur émotionnelle forte! » Il se rappelle de son émotion quand il avait découvert l’album « Rouge » de Goldman, avec un packaging original. Le jeune homme ne se contente pas d’être artiste mais il a aussi un sens aigu du marketing et de la communication en ce qui concerne la promotion de ses albums et spectacles, mais aussi l’organisation de ses tournées : « être son propre chef, avoir plusieurs casquettes, c’est être libre » même si cela demande beaucoup d’énergie et une certaine forme de schizophrénie dans le travail, chaque activité (musicien, communiquant, diffuseur) pouvant être considérée comme aux antipodes l’une de l’autre. « Je vais créer ma propre boite de production en 2015 » nous souffle-t-il. Plein de ressources et très imaginatif, le jeune homme nous confie alors qu’il a eu l’idée, pour développer ses tournées, de demander à son public de se charger de lui trouver des salles pour jouer : c’est ce qu’il appelle « un système de tournée participative ». Malin, n’est-ce pas ?

Alors, pour ceux qui ont envie de se détendre, de rire un peu pour oublier toutes ces grises pensées qui traversent l’âme par les temps qui courent, n’hésitez pas à découvrir ce jeune et fort sympathique artiste sur la scène du Quai du Rire, la petite salle ne faisant qu’une cinquantaine de places, nous vous conseillons de réserver au plus vite. DVDM

Infos pratiques : « Live Therapy » (1h20) au QUAI DU RIRE 16 quai de rive neuve à Marseille du 3 au 6 décembre (mercredi et jeudi à 20h30, vendredi et samedi à 21h30)

Tarifs de 12 à 16€ / Réservations au 04 91 54 95 00 ou sur http://www.lequaidurire.com ^[11]

© Gatane, Photo Paul Teisson